Arquivos do Autor:Valéria Miguez (LELLA)

fev 26 2012

Albert Nobbs (2011)

A simples menção do nome de Glenn Close o que me vem de imediato é a sua personagem a Cruella De Vil, do “101 Dálmatas” (1996). Até porque esse personagem conseguiu eclipsar um outro também muito forte: a Alex de “Atração Fatal” (1987). A Cruella é impagável! É memorável! Nem dá para imaginar outra atriz fazendo a Cruella. Ambas as personagens, mulheres poderosas, esbanjaram também em sedução, sendo que cada uma a seu modo. Até por conta dessa feminilidade nada tímida, bateu curiosidade em vê-la se passando por um homem. E que pelas primeiras fotos divulgadas, a maquiagem estava perfeita. Faltava então conferir o desempenho. Conferido, e…

Logo nas primeiras cenas, me veio a sensação de já ter visto o filme, ou que já conhecia a história. Foi uma sensação forte. Mas quando eu percebi que meus olhos acompanhavam o personagem, e de um jeito hipnótico, eu então passei a acompanhar “Albert Nobbs” sem pensar em mais nada. E fiquei encantada com a performance de Glenn Close. Ela está soberba! Seu personagem não está apenas travestido de homem. Mesmo com toda a maquiagem. Mesmo com toda a inflexibilidade da postura de um modorno inglês, seu garçom estava nesse patamar. Havia uma tristeza no olhar de Albert Nobbs que doia na alma. Glenn Close conseguiu transmitir pelo olhar a ferida não cicatrizada do que a levou a ser um homem. Mais! Também passou toda a opressão em cima das mulheres daquela época. Bravo Glenn Close!

E o filme “Albert Nobbs” traz uma radiografia de mulheres que mesmo num mundo bem machista mais que sobreviverem queriam de fato viverem. São heroínas, anônimas ou não, que também foram desbravando um caminho dentro da sociedade local. Nós mulheres da atualidade devemos também render homenagens à elas. Que mesmo não pontuando como Personalidade da História Universal, elas fizeram história nas localidades onde viviam.

O fillme “Albert Nobbs” traz sim uma carga dramática muito forte, mas que também nos leva a sorrir pelo caminho que senão escolhido, mas que foram se adaptando as contigências que o destino trazia. Até porque Albert Nobbs não estava sozinho nessa. Também houve mais um “homem” que cruzou em seu caminho. Muito mais safo para as agruras da vida. É o personagem da atriz Janet McTeer, o Hubert. Numa inversão de idades, até porque já sem a armadura externa Nobbs se mostra a adolescente de outrora, Hubert mais que um amigo, se transforma num mentor. Adotando Nobbs por coração.

Há uma máxima que diz que não é mudando de lugar (=localização geográfica) que extirpará um problema. Ainda mais se é da sua própria natureza. No filme há duas pessoas usurpadoras. Que sonham com uma grande mudança, mas culpam o destino por não lhe darem mais chance. De um lado temos o jovem Joe (Aaron Johnson), que acha que indo para a América vai tirar de si o gene ruim do pai. Nem repara que o destino lhe dera uma grande chance de crescer como pessoa, como um homem do bem. Não apenas quando consertou a velha caldeira do Hotel, mas ao conhecer ai, a doce Helen (Mia Wasikowska). Mas os acontecimentos afloraram o que só via no pai. Do outro lado, uma senhorinha que aparenta ser um doce, mas por conta de um incidente, vê a chane de realizar seu sonho. Se bem que essa não dá para condená-la. O destino deu a ela chance de viver mais uns anos feliz da vida.

Albert Nobbs só queria ser feliz. Por anos a fio, pacientemente, buscou por se ver livre até desse novo ser que teve que incorporar. Vislumbrou um outro caminho daquele traçado por pensar que assim teria o controle do seu destino mais rapidamente. Mas fora o seu erro. O destino novamente não lhe sorriu.

Glenn Close quase rouba todo o filme devido a sua atuação. Só não faz pela força da história. Pela forma com que o Diretor Rodrigo García conduz todos os personagens. É um drama comovente, mas em cima mesmo da opressão às mulheres. Nos levando a não esquecer disso, nunca!

Então é isso! É um filme excelente! Diria até, imperdível!
Nota 9,5.

Por: Valéria Miguez (LELLA).

Albert Nobbs (2011). Reino Unido, Irlanda. Diretor: Rodrigo García. Roteiro: Glenn Close, John Banville. +Elenco. Gênero: Drama. Duração: 113 minutos. Basedo no livro “The Singular Life of Albert Nobbs”, de George Moore.

fev 22 2012

A Dama de Ferro (2011). E o que realmente a retirou de cena!

“Se meus críticos me vissem andando sobre as águas do rio Tâmisa, diriam que é porque eu não sei nadar.” (Margaret Thatcher)

Por vários fatores eu não teria como deixar de assistir esse filme. Por Meryl Streep, sim! Por trazer uma personagem feminina como protagonista, inclusive. Mas indiscutivelmente por centrar na primeira mulher a governar uma democracia moderna: Margaret Thatcher. Isso feito, contando da minha emoção com “A Dama de Ferro“!

”Ser poderosa é como ser uma dama. Se você tem que provar aos outros que você é, você não é.” (Margaret Thatcher)

O título do filme – A Dama de Ferro – cria uma expectativa de que se verá nele apenas a trajetória política dessa grande estadista. Mesmo que esse lado até nos livros escolares é mostrado, o filme mostra sua subida ao poder e depois seu declínio como passado. Vêem em lembranças em momentos de lucidez, devido a sua condição real e atual: por estar com Alzheimer. Mesmo que até pelo filme não dá muito para dissociar a Política da Mulher, também é por ele que esse outro lado ficamos conhecendo: o de uma mulher a frente do seu tempo. Se alguns acham injustos mostrarem ela já nesse período outonal da vida, que olhem por um outro prisma: a de que certas doenças terminam por tirar de cena quem ainda tem muito por fazer em vida. Então que vejam como um Tributo a essa que fez História: Margaret Thatcher!

“Lembranças não podem ficar apenas na memória. Com o tempo, elas se apagam.” (Everton Nunes)

Eu gosto de filmes biografias. Claro que de imediato há uma certa liberdade em como contarão uma história. Primeiro com um texto, depois dando a ele uma nova leitura, e ai já dentro de um contexto visual. Ficando ainda com o Roteiro. Quem escreveu sobre esse filme foi Abin Morgan. Que pelo o que eu li, ela baseou-se em um livro escrito pela filha de Thatcher, o: “Diary of an election: with Margaret Thatcher on the campaign trail in 1983“. Mas como a presença do marido de Thatcher no filme é bem marcante, creio que a Abi também leu um outro da Carol Thatcher, com a biografia de seu pai, Denis Thatcher, o “Below the Parapet“.

Isso vem reforçar, que mesmo o filme partindo da realidade atual de Thatcher, e apenas mostrando o seu passado em flashback, está sim reverenciando essa que foi uma das grandes Personalidades do século XX. Partiu de um olhar da própria filha, passou pelo de Abi, chegando no da Diretora Phyllida Lloyd. E essa por sua vez tinha diante de si um desafio, em contar com muita sensibilidade verso e reverso dessa mulher. A escolha de Meryl Streep foi perfeita! Como também da que faz a Thatcher mais jovem: Alexandra Roach; sendo que essa com um biotipo de acordo com ambas: a real e a Meryl. Saindo-se bem. Conseguiu fazer uma bela ponte para Meryl Streep. Essa por sua vez nos leva com emoção até o final. Um Bravo para todas essas Mulheres, reais e da ficção!

Merece também os aplausos quem fez a maquiagem em Meryl Streep: J. Roy Helland. Foi perfeito no envelhecimento. Ficou muito real. Muito natural. Dando a personagem um envelhecer nada caricato. Em “A Dama de Ferro” também o Figurino como o Cenário atuam como um coadjuvante de peso. É uma bela viagem a um passado recente. E numa Londres sedutora.

O Pai (Iain Glen), o Amigo Airey Neave (Nicholas Farrell), o espirituoso Marido Denis (Jim Broadbent), e o Filho. Esses foram os homens que pontuaram a vida de Margareth, mesmo tendo boa parte dela em meio a um número muito maior. Os três primeiros lhe deram incentivo para que sempre seguisse em frente; e que só a morte que os separaram dela. Dois, morreram de causas naturais. Já o amigo dileto, vítima de um atentado. Já o filho… Bem, esse só aparece em criança. Talvez não tenha perdoado de todo a mãe. Talvez ainda se sinta abandonado pela mãe. Talvez ainda achando que lugar de mulher é em casa.

“Não pergunte o que seu país pode fazer por você, pergunte o que você pode fazer por seu país!” (John F. Kennedy)

Margareth Thatcher governou o Reino Unido de 1979 até 1990. Num Parlamento onde até então era um território masculino. Fora uma Primeiro-Ministro que não fez política, nem politicagem. Bateu de frente com os Sindicalistas, fazendo com que eles entendessem que manter o emprego era mais importante que lutar por regalias. Talvez, que compreendessem que deveriam sim lutar por capacitar melhor os trabalhadores. Obstinada, tirou o Reino Unido da recessão pela Crise do Petróleo. Escapou de um atentado, em 1984. Ganhou o título – Dama de Ferro -, por severas críticas a União Soviética. Determinada, sua popularidade se solidificou com a Guerra das Malvinas. Mas com oposição até de dentro do seu partido, até suas qualidades eram minadas por eles. Sozinha, se viu na obrigação de renunciar ao cargo também no Partido Conservador.

O marido de Margareth, Denis (Jim Broadbent), fora também o seu melhor amigo. Um fã como também um crítico sincero do lado político dela. Apaixonado, foi com certeza o seu porto seguro. Já que diariamente, ao longa da sua vida política, e até o dia da sua renúncia, ela se via sozinha na arena. Assim, tendo que matar um leão por dia, saber que teria o colo do marido, dera a ela suporte para seguir em frente. Como fizera antes, seu pai. Sempre a incentivando a fazer uso da sua inteligência. Machuca, quando ela tem que enterrar de vez, Denis. Em respeito a tudo que ele representou, era preciso fazê-lo em um dos momentos de lucidez. Em ainda sendo a Margareth Thatcher, a esposa que o amava. Porque dali em diante, por conta do Alzheimer, já poderia nem mais saber quem ela foi algum dia. Sem esquecer também do ator Harry Lloyd que faz o Denis quando jovem. Ele também é muito carismático.

“Um líder é alguém que sabe o que quer alcançar e consegue comunicá-lo.”

Para mim o filme conseguiu sim mostrar quem foi A Dama de Ferro! Uma guerreira! Uma mulher que não se intimidou com arenas com muita testoterona, e no âmbito internacional. Ele também nos leva a mais que julgá-la tentar entender o porque de suas atitudes. Mas sobretudo, o filme faz uma radiografia da pessoa como um todo: a filha, a esposa, a mãe, a política, a amiga, a primeira-ministra, a patroa, a governante… e a mulher solitária que a doença além de afastar as pessoas a deixa como uma prisioneira. De mulher para mulher: bateu orgulho em conhecer um pouco mais dela! Mesmo lembrando que na época, minha torcida fora para a Argentina. Por tudo o que mostrou e do jeito como contou eu digo que foi um fechar às cortinas que me emocionou! Que eu até voltaria a rever, principalmente para ver de novo as cenas com essa dupla: Meryl Streep e Jim Broadbent.

Um filme que assisti com brilho nos olhos. Que me levou a emitir umas sonoras interjeições, ora como um elogio a ela e ao marido, noutras em solidariedade, algumas com pesar, e outras foram mesmo uns sonoros palavrões, mas por certas situações. Uma delas por conta do banheiro feminino no Parlamento. E isso foi um nada por tudo aquilo que teve que enfrentar. Bravo, ao casal Margaret e Denis Thatcher!

Então é isso! “A Dama de Ferro” é um filme excelente! Que mesmo com lágrimas nos olhos, me fez sorrir por também querer bailar ao som de ‘Shall We Dance?’ do filme ‘O Rei e Eu’ (1956).
Nota 10.

Por: Valéria Miguez (LELLA).

A Dama de Ferro (The Iron Lady. 2011). Reino Unido. Direção: Phyllida Lloyd. +Elenco. Gênero: Biografia, Drama, História. Duração: 105 minutos.

fev 18 2012

Margin Call – O Dia Antes do Fim. Ou: Como aplicar um mega 171 impunimente!

Claro que tendo esses três atores – Kevin Spacey, Stanley Tucci e Jeremy Irons – no elenco já me motiva a ver o filme. Agora, sendo um baseado numa história real, e pelo fato em si, ai já carimbava de vez em conferir “Margin Call – O Dia Antes do Fim“.

Mais do que ver como pode ter acontecido, o que impacta mais hoje é que, assim como muito outros fatos marcantes, vão se apagando quer dos noticiários, quer da memória. Mesmo esse tendo ocorrido bem recentemente: em 2008. O que antes eram manchetes, viram itens de bancos de dados. Por outro lado, por conta da crise atual dos países tidos como primeiro mundista, assistindo agora “Margin Call” é de aplaudir com entusiasmo. Não apenas para um refresco à memória em mostrar de quando veio a recessão atual, como também pela solução escolhida na época.

O filme foca num apenas, um importante Banco de Investimento da época, e que embora também no cenário mundial, era do poder que detinha no local: Estados Unidos. O maior símbolo do Capitalismo. Onde o “investir em” é cultural. Não importa em que, mas mais no que poderá lucrar com isso. Ou mesmo, no que provavelmente poderia lucrar. E foi por ai que os lobos deitaram e rolaram. Pois porque teriam escrúpulos em aplicarem o mais monumental conto do vigário da História do Capitalismo se o sistema não fora inventado por eles? Se escamoteado por “margem de risco” um querer por muitos dividendos num “sem suar a camisa“, deu a eles a permissão para serem ludibriados. Como citei antes faz parte da cultura deles, dai nem se pode falar que foi pura ganância, e para ambos os lados. De um dos lados, faz parte vender até algo podre. Do outro, se tampou as narinas na hora da compra, fora porque quis. Mas mesmo se tratando de algo trágico para muitos, também me levou a pensar numa Comédia que fizeram com esse lance de “investir em”. Um filme com a Barbra Streisand, “For Pete’s Sake” (de 1974), porque nesse a queda nas Ações resultou cenas hilárias.

O filme também me fez lembrar de um Documentário que vi pela televisão, o “Zero: An Investigation Into 9/11” (de 2008). Pois, teoria da conspiração ou não, a queda do World Trade Center não deixou de limpar muita sujeira de empresas como essa, sediadas nos prédios desabados. A do filme já estava na busca de tentar “reciclar” a própria sujeira. Mas não tiveram um novo desabamento de prédio – um atentado salvador-da-pátria -, e nem mais tempo hábil. E só sentiram a fedentina toda, por conta de um funcionário, aliás um recém ex-funcionário, de ainda se sentir ético com a empresa que mais que uma demissão, o levaram até a porta da rua.

É com um tipo de limpeza que começa o filme, “Margin Call“, mostrando que se os sonhos começam na Wall Street, muitos terminam nela. Não importa quanto tempo o funcionário trabalha na empresa. E nesse caso em especial, o corte de funcionário começou com um que deveriam é tê-lo mantido. Principalmente pelo cargo que ocupava: Analista de Risco. Logo ele, o primeiro a ser demitido. É o personagem de Stanley Tucci, Eric Dale; falo mais dele mais abaixo. Eric consegue passar um pendrive para um de seus pupilos, dizendo: “_Tenha cuidado!” É! O conteúdo ali era TNT pura.

Agora, por falar em limpeza, mesmo em qualquer significado, quero registrar a passagem da senhorinha do setor de faxina da empresa. Ela marcou presença. Ficou irresistível de não tirar os olhos dela. Ela eclipsou Demi Moore e Simon Baker na cena do elevador. Fui procurar na página do elenco no IMDb, mas até a presente data não há um nome para a Cleaning Lady. Tomara que coloquem. Ela merece os créditos!

Ainda falando em limpeza, mas dessa vez com uma orgânica… O ator Penn Badgley será lembrado por interpretar alguém “do andar debaixo” que tendo umas horas “no andar de cima”, sentiu-se feliz por realizar um grande sonho dentro do banheiro dos Chefões”. Caramba! Que vontade de escrever o português claro, sem eufemismo. Nem seria por não trazer um spoiler. Mas porque a cena em si é memorável! Pobreza de espírito do jovem? Não! Sujeira muito maior, seus outros colegas de firma, seriam levados a fazer, mas nos sonhos de outras pessoas de fora dali. Ou compactuavam com a sujeirada dos patrões, ou perderiam o emprego. Aliás, já ciente de uma outra: quanto mais trouxas enganassem, menos chance de serem demitidos.

O subtítulo dado no Brasil foi um eufemismo para toda a sujeira mostrada na trama do filme: “- O Dia Antes do Fim“. Fim de quem, cara-pálida!? Dos incaultos, sim. Dos que em sua grande maioria fazem parte da base da pirâmide social. Também dos que estão na parte central, mas em menor número. Desses, poucos chegarão ao topo, e por lá permanecerão. Porque ainda dessa parte, uma maior parte terá que contar por uma virada do destino, onde na realidade dará suporte para um a mais tempo no topo permanecer por muito mais. Pois quase sempre, ficará nesse andar intermediário.

Como bem exemplifica o personagem de Paul Bettany, Will Emerson. Muito bom em vê-lo se despir de um outro personagem que tão bem interpretou, o Silas em “O Código Da Vinci” (de 2006). Em “Margin Call” ele está brilhante também. Mas pelo contexto de agora, a cena dele que destaco, é a dele com Eric Dale (Stanley Tucci), em frente à casa desse outro. Onde mais do que ele falou, foi o que não disse. Talvez algo como: “E o que eu faria se fosse você?” De posse com aquilo que Eric descobrira, mas que fora concluído por Peter (Zachary Quinto). E Eric põe uma pá de cal nesse pesar, mas só assentindo o que Will já concluíra. É de arrepiar!

“Seja o primeiro. O mais esperto. Ou trapaceie!“

Agora, o que se subentende, e sem o menor floreio, do título original – Margin Call -, é que tiveram um jeito legal (=Lei) de aplicarem o maior 171 da História do Capitalismo. Dai prefiro o meu subtítulo…rsrs Bem, no jargão economês, margin call significa um pedido de cobertura. Então foi o que os corretores fizeram e em pouquíssimas horas, antes que toda a sujeirada vazasse alem daquelas cercanias: uma colossal venda de títulos podres. A história do filme centra-se nesse curto período do tal Banco se safar do que seria um desastre para ele. Tendo início no fim de noite, indo até antes do meio do dia seguinte.

Pontos medianos, mas acima da média:
- Demi Moore não fez feio. Mas me levou a pensar que se ela tivesse se espelhado, por exemplo, na personagem da Meryl Streep em “O Diabo Veste Prada” ai sim teria deixado a sua passagem memorável. Infatizando com algo dito por uma outra grande Diva, e nossa, a Fernanda Montenegro, algo: “_Que não importa se é um papel curtinho, se marcar sua passagem mostrará a sua grandeza.”
- Simon Baker também não fez feio. Muito embora me fez pensar mais em seu personagem na Série de Tv “The Mentalist“. No filme ele não se intimidou ante os atores mais ilustres. Fez cara de Chefe bonzinho. Mas seu personagem era até um desconhecido para os funcionários dos andares de baixo. Até por isso, poderia ter marcado mais presença. Também pelo o que estava em jogo para o seu personagem. Creio que será lembrado mesmo, ou mais, como o executivo no banheiro. Na cena onde o tal corretor realizara um sonho. Pela cara que ele fez, numa de:”Não entendi nada!“

Pontos altos do filme:
- J.C. Chandor, o Diretor e também Roteirista. Provou com “Margin Call” que tem um belo futuro. Porque tem que ser muito bom para nos manter atentos até o final. Mais! Conseguiu algo raro, o de eu querer que não terminasse logo. E tem cada fala, como a: “_Jogue um grande osso…” É de dar um frio na espinha. Bravo! Longa carreira para ti!
- Kevin Spacey rouba todas as cenas em qualquer filme. Nesse, também. Destaco uma em especial, que não deixa de ser uma marca dele. É logo no comecinho. O ar quase blasé que faz com o corte dos funcionários, mas mostrando qual seria a sua preocupação daquele momento. Que seria trágico, senão fosse cômico. Essa cena é memorável!
- Memorável também a cena onde o personagem de Jeremy Irons tenta entender a crise que se abateu no seu império. Ele faz de um jeito que parece nos levar ao iniciar da sua trajetória de poder. Daqueles que conseguem vender carros ocultando o motor fundido. Que chegou onde chegou, por ser um lobo bem voraz. Claro que ele também rouba todas as cenas, assim como bate um bolão com Kevin Spacey.
- As participações do Stanley Tucci também são excelentes! Destacando uma. Onde seu personagem se vê obrigado a voltar ao Banco, no dia seguinte da sua demissão. Tranquilo, fica retido ali, numa de: “O tiro saiu pela culatra. Pois o pé-na-bunda que me deram, me fez foi ficar imune a toda essa sujeira!”
- Paul Bettany também faz uma outra cena forte. A que simboliza a solução encontrada por alguns quando muitos endividados. Chocante!
- A participação de Zachary Quinto também rendeu algumas tensões. O que por si só já denota uma ótima performance. Ele soube conduzir muito bem seu personagem é a personificação de que não foi mesmo o fim. Como exemplifica bem uma cena entre os personagens de Jeremy Irons e Kevin Spacey. É, o Sistema continua!

No mais, todos, tudo, merecem aplausos. Uma Nova Iorque noturna de tirar o fôlego. Um clarear de um dia que ficou na História. Uma Trilha Sonora que atua como um grande coadjuvante; créditos para: Nathan Larson. Roteiro soberbo. Onde tudo é revelado num timming perfeito! Inclusive para a escolha da que termina “Margin Call“. Aquele som na subida dos créditos finais deve ter doído na alma dos que caíram no colossal golpe, mas do real Banco de Investimento, o Lehman Brothers.

Então é isso! Um filme imperdível! Que nem precisa ser especialista em finanças para entender os jargões usados. “Margin Call” é de querer rever. Como também de ter o Dvd, mas isso irei esperar por uma mega promoção.
Nota 10.

Por: Valéria Miguez (LELLA).

Margin Call – O Dia Antes do Fim (2011). EUA. Direção e Roteiro: J.C. Chandor. Elenco: Kevin Spacey (Sam Rogers), Stanley Tucci (Eric Dale), Paul Bettany (Will Emerson), Jeremy Irons (John Tuld), Simon Baker (Jared Cohen), Demi Moore (Sarah Robertson), Zachary Quinto (Peter Sullivan), Penn Badgley (Seth Bregman). Gênero: Suspense. Duração: 109 minutos.

Curiosidades: No canal FoxLife passa um programa, o “Property Virgins“, que dá um pouco a dimensão das Hipotecas Imobiliárias. Onde basta estar empregado por 30 dias para conseguir um financiamento na compra de uma casa própria. Mas também que já compram o imóvel pensando em investimento: com uma revenda num futuro.

No noticiário dessa semana foram descobertos, e apreendidos, Títulos falsos em nome do Tesouro dos Estados Unidos. Fabricados em 2007, estavam desde então guardados em Banco Suiço. Talvez esperavam a poeira baixar de todo com a Crise de 2008. Num valor de US$ 6 trilhões, ficaria a pergunta: “Que Banco de Investimento passariam esses títulos?“, mas sobretudo fica a certeza de que novos incautos escaparam de cair nesse golpe.

fev 14 2012

O Artista (The Artist. 2011)

Seria cômico senão fosse patético! É que enquanto muitos Diretores chegam a basear seus filmes nos efeitos do 3D, para deleite nosso, de quando em vez, vem um e nos brinda com uma simplicidade ímpar ao contar uma história. Em 2009 tivemos os bonecos de massinhas meio toscos de Adam Elliot no seu “Mary e Max – Uma Amizade Diferente“. Agora, é a vez Michel Hazanavicius também remar contra o modismo e nos encantar com “O Artista“. Bravo!

Hazanavicius simplesmente conta a sua história como na época do Cinema Mudo. Como se tivesse filmado com o que hoje já seriam peças de museu. Mas não é apenas o pano de fundo, é a contextualização de uma época dentro da História do Cinema, e em especial, da de Hollywood. Pegando o início do fim de uma época: sai o Cinema Mudo e entra em cena o Cinema Falado. Já no finalzinho da década de 20, e início da de 30. E como um brutal coadjuvante também real: o Crash da Bolsa de Nova Iorque, em 1929.

Hazanavicius também faz, traz belas homenagens, pontuando a trama. No início do filme, temos o protagonista ora homenageando o galã da época Rodolfo Valentino – na telona, com o seu filme -, para depois nos agradecimentos à plateia fazê-lo num jeito Carlitos de ser. Mesmo com uma beca impecável, é com um sorriso enorme que a memória nos traz esse grande personagem de Charles Chaplin, e do Cinema Mudo também. Até por estar sempre acompanhado pelo cachorrinho. Paulo Autran disse certa vez que trabalhar com criança ou um animal é um risco: porque eles podem roubar a cena. Em “O Artista” não deu outra: o cãozinho Uggie rouba todas as cenas. Merece aplausos pela performance! E ainda dentro das homenagens de Hazanavicius, uma outra também encantadora: ao casal Ginger Rogers e Fred Astaire.

A história é simples, mas nem por isso não é complexa. Conta a carreira de um ator que não se rendeu ao Cinema Falado: George Valentin, personagem de Jean Dujardin. Do estrelato ao ostracismo. Ficou por anos usando a expressão corporal, e que não acreditava que falas nas cenas trariam diferenças significativas. Calcando-se mesmo em “Uma Imagem vale mais que mil Palavras!“. Mas nem tanto ao mar, nem tanto ao céu. Um som faz sim um grande efeito. Tanto, que durante as próprias exibições dos filmes mudos havia uma certa trilha musical nas Salas onde eram exibidos. E ótima a atuação de Jean Dujardin!

Valentin ainda no auge da fama se esbarra a uma aspirante a atriz, Peppy Miller (Bérénice Bejo. Gostei de sua atuação!). Ela cai de amores por ele. Mas Peppy segue em frente: acompanha o novo Cinema que chega. Sua carreira sobe, enquanto que a dele termina. Anonimamente ela até que tentou ajudá-lo. Mas ele se entregou às bebidas. Até o seu fiel mordomo, Clifton (James Cromwell), cansou de motivá-lo.

Bem, além de Drama, “O Artista” também é uma Comédia Romântica. Logo com todos os itens desse Gênero. Se no início o que separa o casal – Valentin e Peppy -, é o fato dele estar casado com Doris (Penelope Ann Miller), depois foi por orgulho mesmo. E dele! Mas no final Peppy arruma um jeito dele voltar à cena, e sem ter que sentir-se que traiu seus próprios princípios. Bravo Peppy!

E a ideia de Peppy enche novamente os olhos do antigo Produtor de Valentim, Al Zimmer. Personagem de John Goodman. Que aliás também rouba todas as cenas! Seu personagem ficou incrivelmente a cara do Cinema Mudo. Perfeita atuação! Os demais coadjuvantes estão ótimos, mas para mim Goodman e Uggie estão excelentes!

O filme cai um pouco de ritmo ao se estender no drama do Valentim. Se Hazanavicius tivesse acompanhado também o tempo de duração dos filmes daquela época, enxugando um pouco, até me deixaria uma vontade de rever, mas não deixou. Agora, vale sim, e muito, ser visto! Até pelo final memorável!

Então é isso! E também pelo Figurino, Fotografia, Trilha Sonora, Cenário, inclusive pelas falas-legendas tal qual do Cinema Mudo, “O Artista” é um filme excelente! Não deixem de assistir!

Nota 9,5

Por: Valéria Miguez (LELLA).

O Artista (The Artist. 2011). EUA. Direção e Roteiro: Michel Hazanavicius. Elenco: Jean Dujardin, Bérénice Bejo, John Goodman, James Cromwell, Penelope Ann Miller, Missi Pyle, Beth Grant, Ed Lauter, Joel Murray, Bitsie Tulloch. Gênero: Romance, Comédia, Drama. Duração: 100 minutos.

Curiosidades: Uggie, o cãozinho do filme irá se aposentar. Leiam na matéria de Priscilla Merlino: Uggie, a estrela canina do filme O Artista, vai se aposentar.

fev 7 2012

A Separação (2011). Ou: o Declínio da Família Contemporânea.

“E quem estaria com a razão? Todos… Ninguém… Pois tanto em termos da natureza humana, quanto da sociedade, tudo dependerá de seu próprio ponto de vista.” (Asghar Farhadi)

O filme “A Separação” traz em primeiro plano uma reação em cadeia devido a separação de um casal. Pois quase todos os envolvidos se viram na obrigação de mentir, ccomo também de omitirem certos fatos. E que para alguns deles o que antes parecia ser uma mentirinha de nada, tomou um rumo inesperado.

Agora, seria mesmo uma casualidade de chegarem ao ponto onde chegaram? Que ao mentirem crendo ser com boas intenções não haveria implicações? Até porque para manter a mentira que se contou terá que obter pelo menos o silêncio de outros envolvidos. E estando de posse da mentira do outro, teria como se eximir da própria? O ato de mentir traria muito mais o peso do pecado ou o do perjúrio? Mas e quando Religião e Estado ocupam o mesmo estado de direito? Mais! E quando o Sistema Judiciário, sobrecarregado, se perde nas próprias malhas da Lei? A sucessão de erros fora por que alguém não segurou a onda? Mas quem, ou melhor, o que foi o ponto inicial desse drama familiar? Que terminou envolvendo outras pessoas. Onde inocentes ou culpados todos pagaram um preço.

Além dessas reflexões, o filme também traz um outro tema: o de ter um membro da família já idoso, com o agravante de precisar de atenção e cuidados por quase 24 horas diárias. Interná-lo, ou mantê-lo em casa? Quando a renda familiar não permite colocar profissionais para esses cuidados, aceita-se qualquer um? Mas nesse filme vemos um outro ponto. A mulher ganhando mais que o marido, e sendo o idoso o pai dele. Onde eu acho que tudo começou. Sobrecarregada, mesmo gostando do sogro, ela tomou uma decisão precipitada. O marido que antes já não tinha aceitado que a esposa pagasse por enfermeiro, não seria com a nova decisão dela que ele mudaria de opinião. Numa de que é o “macho que sustenta a todos da família”? Mas ele também se precipita aceitando a primeira que apareceu para tomar conta do pai. E o pobre do idoso, sem querer, termina por ser a causa da separação do casal.

A separação veio por mais uma decisão sem pensar de Simin (Leila Hatami) que vira na permissão dos vistos (passaportes) uma chance de sair do Irã. Acontece que o marido, Nader (Peyman Moadi), não quis abandonar o próprio pai (Ali-Asghar Shalbazi); o tal idoso, e acometido do Mal de Alzheimer. Então, também orgulhosa, ela pede a separação de direito do casal. Até porque Nader concordou com o desenlace deles, mas  não concordou que ela levasse a filha do casal: Termeh (Sarina Farhadi, filha do Diretor do Filme: Asghar Farhadi.). E que essa por sua vez, já uma adolescente, não queria perder os estudos.

Simin pensou que assim intimidaria o marido. O que talvez teria conseguido se houvesse mais diálogo entre o casal. Já com quase 15 anos juntos, estavam à beira de uma crise, e que pelo jeito nenhum dos dois percebeu. A seu favor, havia o peso de uma sociedade machista e autoritária, e de tradição centenária. Dai o fato de ter focado mais no destino final – o de viverem em outro país -, do que ir preparando terreno aos poucos. Sufocada, não pensou direito.

Tanto um quanto o outro usaram a própria filha como desculpa. Grande erro! Pior! Jogaram nos ombros dela a decisão final. Simin via em sair do pais um futuro não tão rígido para Termeh. Já para Nader ele achava o país o melhor lugar para criar a filha. Mas no fundo, ambos sabiam que a filha os manteriam pelo menos próximos um do outro. E é algo que machuca: em ver que ainda havia amor entre esse casal.

Termeh, em meio a esse fogo cruzado, fica sem saber o que fazer. Como agir. Talvez por conta de um temperamento calado, muito mais propensa aos rigores da tradição do país, do que a própria mãe, ela foi cozinhando os dois em banho-maria. Desejava a reconciliação deles.

Em “A Separação” vemos como pano de fundo um Irã de uma classe média alta. Se não fosse pelos lenços cobrindo as cabeças das mulheres, o lugar passaria por um bairro em algum país do Ocidente. Mas avançando o olhar, ele é definido como sendo um com tradição Islã pela modo como tratam as mulheres.

Agora, como em todo lugar do planeta, se há a classe que se dá o luxo de pagar por empregados domésticos, também há esse outro contigente advindos das classes mais baixas. Onde moram no filme é ilustrado pelos ônibus: significando que moram longe dali. O que pesa também para essas pessoas: distância + custo das passagens + cansaço por essa jornada…

Personificando esse proletariado teremos um outro casal, e que serão envolvidos nessa separação inicial. A primeira envolvida será Razieh (Sareh Bayat), com a filhinha. Depois, seu próprio marido: Hodjat (Shahab Hosseini). Se para o primeiro casal, nem o fato de “não faltar nada em casa” pesou para manter o casamento, o mesmo foi um fator preponderante em salvar a própria união. É que desesperada em ver o marido, há meses desempregado, ter sido levado pelos credores, Razieh mesmo grávida, mesmo indo contra a sua religião, implora pelo emprego a Nader. E ocultando tal fato do marido.

Nader tendo que ir trabalhar, não querendo ser render de que precisaria da esposa de volta, ciente também de que estaria indo contra os princípios do islamismo, aceita que Razieh tome conta do pai, e da casa. Ela por sua vez fica ciente de que o idoso Alzheimer. Logo, em algum momento teria que tocar nele. Num homem. E quando tal hora chega, é um quadro patético em vê-la ao telefone querer saber se isso seria pecado ou não.

Não ficando só nisso, ainda há lhe pesar… Pela distância percorrida até chegar nesse emprego, pela gestação em período de cuidados, pela jornada dupla de trabalho, Razieh coloca a filhinha para ajudá-la no serviço da casa. A criança ao descer as escadas com o lixo, acaba entornando-o. Uma moradora do prédio impõe que Razieh limpe, e logo. Aturdida, ela esquece do idoso. E…

A partir daí mais erros se sucedem. Como uma avalanche. Mentiras e omissões em lugar de diálogos francos e respeitosos. E quando Hodjat descobre tudo, a teia de situações conflitantes aumentam. A grande questão que se estampa: Quem iria dar um freio aquilo tudo? Para no mínimo tentar uma conciliação geral. Um meio-termo onde ninguém achasse que não teve razão no que fez.

Não pude evitar em pensar na crise atual e no mundo real. Onde estão aumentando a população pobre dos países tidos como do primeiro mundo. Como também, que mesmo criticado por muitos, o Brasil com o seu Bolsa-isso-Bolsa-aquilo fez foi diminuí-la. Então, no filme, para esse casal de baixíssima renda, o próprio país era ainda mais opressor do que para o outro. Não havia o Bolsa Família do Ocidente, por exemplo.

Mas tanto Estado quanto Religião, em geral, incentiva em se ter uma família. Não importando se terão como mantê-la ou não. Não é de boa política o planejamento familiar. Algumas tradições ainda incentivam em trazer mais filhos ao mundo.

Para o casal pobre o desemprego viera já estando casados e com uma filha nascida e outra a caminho. Pesando ainda o fato de que psicologicamente Hodjat não estava tarimbado para ser um pai, nem em constituir uma família. A recessão que passava só trouxe a tona seu temperamento explosivo. Com tudo isso, o casal não apenas se envolveu, como também Hodjat quis tirar proveito de um fato. Já que com a indenização, teria como se livrar dos credores.

Além da crise financeira poderia se pensar que é por culpa de uma cultura machista? Se sim, ela não é privilégio das de tradição Islã. As do Ocidente, mesmo que veladamente, também se calca nela. Se alguém achar que não, que preste atenção nas propagandas de algum produto voltado ao lar, a família, só como exemplo. Eles colocam a mulher como compradora compulsiva, ou como uma “do lar”. Já para o homem, o mesmo produto é vendido como um hobby. Então a culpa não seria por ocidentalizar os costumes locais.

Para mim, o que Asghar Farhadi quis mostrar em “A Separação” é que a instituição Família que está em falência.

Que não importa se no Ocidente, ou no Oriente, é esse laço que precisa ser revisto. Ser pesado. Ser reavaliado sempre. O “sombrio” sentar para discutir a relação precisa acontecer. E que em vez de já numa mesa de um Juiz da Vara de Família, por que não com a ajuda de alguém da Área Psico, assim evitando chegar as vias de fato. Tem uma certa hora que o melhor a fazer é sentar e conversar. Saber o que cada um ainda estaria procurando nessa relação. O que, ou em que, cada um cederiam para uma boa convivência. Pesar se é o ser ou o ter que é alicerce da mesma. É por aí. Já que para cada casal também há conflitos únicos.

Não sei se por conta de não sofrer censura do governo e com isso não teria o filme liberado que Asghar Farhadi deixou o final em aberto. Os créditos subindo, e de cá ficamos sem saber a sentença final. Mas que para mim houve sim um desfecho. Como citei anteriormente: ele quis mostrar o declínio da instituição Família. Em qualquer classe social, e a bem da verdade, em qualquer cultura também!

O filme deixa uma vontade de rever logo em seguida. Por ficar a sensação de ter perdido tal cena quando mais a frente ficamos ciente de que foi ela que levou a tal consequência, a tal mentira. É uma uma mentira levando a outra, e depois a outra, e mais outra… A trama vai se revelando aos poucos, como num Thriller. A impressão de não termos prestado atenção no fato anterior, é por também querer conhecer, saber de todos os detalhes para melhor avaliar; para então ver se havia razão de ser. O ter como ponderar, como numa cena entre Nader e Termeh. Na realidade, sabemos como o fato anterior se deu. Julgá-los já se perde a razão de ser. Até porque: está feito! Como também não é de nossa alçada.

Então é isso! Com um elenco afinado – de querer vê-los em outros trabalhos -, temos em “A Separação” um filme Nota 10!

Por: Valéria Miguez (LELLA).

A Separação (Jodaeiye Nader az Simin. 2011). Irã. Direção e Roteiro: Asghar Farhadi. Gênero: Drama. Duração: 123 minutos.

jan 31 2012

Histórias Cruzadas (The Help. 2011). E a ajuda veio!

Abrindo um parêntese antes de analisar o filme. É que esse eu assisti no Festival do Rio 2011 – exibido como Vidas Cruzadas, mas que ao entrar no circuito comercial já virá como “Histórias Cruzadas“. Entre tantos a escolher… lembrei que uma amiga de blog, a Joyce, Blog Arte Amiga já o tinha citado. Então vi e amei! Valeu pela dica! Gostei tanto do filme que não entendi que só entraria no circuito comercial já quase Fevereiro de 2012. Pois uma data bem apropriada seria em 20 de Novembro, Dia da Consciência Negra. Mas vá lá saber em como escolhem a data de exibição de um Filme no Brasil. Ainda mais esse que teve uma boa aceitação, de público e críticos, nos Estados Unidos; e da minha parte também. O filme é excelente! Até por conta disso eu resolvi deixar para publicar o meu texto já com ele em exibição. Incentivando assim a outros mais que não deixem de assitir. Agora sim, entrando no filme.

“Histórias Cruzadas” traz como pano de fundo: de um lado as donas de casas e do outro as empregadas domésticas. Mas não se trata de uma luta de classe, e sim por mais dignidade e respeito entre elas. De imediato, há entre elas toda uma barreira de racismo. Herança de uma cultura escravagista. Num período de apenas algumas décadas passadas. Ambientadas em terras sulistas, mais precisamente no Mississipi. Como grande diferencial o filme traz um retrato 3×4 desses universos femininos. Mulheres iguais na essência, mas diferentes por forças das circunstâncias. O que estaria por trás, ou melhor, o que estaria de dentro dessas casas. Algo Histórico, mas focando mesmo na vida dessas mulheres. Num período bem marcante para todas. Onde se o saldo foi ruim para a elite local, veio quase como uma redenção para a classe espezinhada.

As tais donas de casas parecem terem saídos daquela escola em “O Sorriso de Monalisa”. Graduadas com mérito em: racismo, preconceito, futilidade, falta de amor visceral pelos próprios filhos. Delegando também às domésticas a criação dos filhos. Se tem como o grande vilão a segregação racial, tem como a personificação disso aquela que se auto proclamou a líder do grupo: a Hilly (Bryce Dallas Howard). Sua vilania é do tamanho e medida para aquilo que recebeu.

Se em “Domésticas – O Filme” temos uma prévia do grau do tratamento que muitas serviçais recebem das suas patroas, imaginem o que passavam na década de 60, Sul dos Estados Unidos. Época em que os Direitos Civis aos cidadãos negros tentavam entrar nesse território ainda com um tipo de milícia muito, mas muito cruel: a Kur Kurx Klan. Se por trás dessas máscaras estavam os maridos dessas patroas, o mais indicado seria que essas serviçais se calassem. Afinal, quem iriam socorrê-las?

“_Coragem algumas vezes pula uma geração. Obrigada por trazer de volta à nossa família.”

A ajuda veio. Entre aquelas jovens brancas, uma resolveu ser a porta-voz das serviçais negras. Essa, nem o “casar e ter filhos” estava em seus planos. Seu sonho era ser jornalista com vôos em se tornar uma grande escritora. Da dona de uma Editora de Livros (Personagem de Mary Steenburgen) recebe uma importante dica. Que ganhasse experiência, não apenas no escrever, mas também em observar o entorno. Com isso teria o que dizer e como dizer. Essa jovem é Skeeter, personagem de Emma Stone. Se em “Amor a Toda Prova” ela não fez a diferença, em “Histórias Cruzadas” ela mostrou que está no caminho certo. Eu gostei da atuação dela.

Skeeter ao voltar para casa após se formar em jornalismo tenta se enquadrar na vida social local com as antigas colegas do colegial. Mas de imediato já destoa das demais por procurar um emprego em vez de um futuro marido. Conseguindo uma vaga no jornal local. Mas de algo que não tinha a menor aptidão. A vaga é para uma Coluna sobre Dúvidas e Sugestões em Trabalhos Domésticos. Parecia até piada, mas foi isso que a levou a se aproximar mais das serviçais. De uma em especial: Aibileen. E é por ela que conheceremos toda essa história. Eu comecei esse artigo com a Skeeter para então chegar na ligação entre as duas.

Aibileen é interpretada pela Viola Davis. Que está excelente! Por ela que temos também o porque do título original: “The Help“. Uma cena linda que foi menosprezada ao escolherem o título aqui no Brasil. Pois “Histórias Cruzadas” não faz jus as súplicas de Aibileen em suas conversas diárias com Deus. Escrevia tudo o que passava, o que percebia, o que ficava sabendo… Palavras muito mais fervorosas que qualquer oração. Skeeter na realidade foi quase uma ghost writer de Aibileen. Fora um salvo conduto num mundo onde ainda os brancos imperavam. Mas ela também teve uma história para contar no tal livro.

A cena de Aibileen escrevendo essas cartas para Deus, emociona. Até por algo sofrido, e muito especial. E pelo todo, me fizeram lembrar também da música do Gilberto Gil, “Se Eu Quiser Falar com Deus“. Aibileen mais que a Skeeter trazia em si o dom de escrever. O talento pode até vir de um aperfeiçoamento, de estudos, mas o dom é algo inato. Como também, só o fato de transcrever para o papel os sentimentos sofridos, já é um modo de exorcizá-los.

E é seguindo esse elo entre Fé e Realidade que ficamos conhecendo as histórias também das outras serviçais. Claro que todas essas histórias se cruzavam. Afinal todas elas, patroas e empregadas, moravam na mesma cidade, mesmo que em condados separados pela segregação racial.

O filme é longo, mas em nenhum momento perde o ritmo. Pois a atenção se mantém até por querer conhecer todas as demais histórias. As demais vidas. Saber da reação de todas quando o livro é publicado. Vibrar pela irreverência de Minny, personagem da Octavia Spencer. Minny é uma empregada que não deixará barato as injustiças que sofrera até então. Como também em soltar um palavrão na cena onde uma das amigas da mãe (Allison Janney) de Skeeter a obriga fazer, e até pelo motivo que a outra viu como afronta. Em se solidarizar com uma outra branca excluída pelas demais, a Celia, personagem de Jessica Chastain. A dupla Minny e Celia é uma comédia! Não tem como não se encantar com elas. Ri junto com a personagem da Sissy Spacek numa certa cena. E muito mais!

Uma das reflexões que o filme deixa é de que ainda há muitas dessas histórias nos dias atuais. Sob a égide de: cada um no seu lugar. Uma certa hierarquia dentro do campo profissional por certo há de se aceitar. Mas sem humilhações, nem constrangimentos com os subalternos. Na intimidade de uma casa, assim como numa empresa, precisa que haja um bom relacionamento entre todos para que tudo funcione bem. Do contrário, é uma ladeira abaixo até a falência familiar. Então a égide seria em valorizar quem realiza de fato as funções essenciais. É preciso respeito mútuo entre todos. E tirando o lado empregatício há de se pesar também o carinho que se recebe desses que em muitas das vezes terminam como sendo um membro “da família”.

“Histórias Cruzadas” também deixa outras questões. Uma delas seriam com os homens. Em porque de terem sido ora passivos demais, noutras até violentos demais em meio a toda essa trama. Se eles são o que são por também serem produtos desse meio? Mas como citei, são reflexões após o filme. As máscaras deles não foram retiradas. O filme é delas!

Até pelas performances dos atores, destacando também a Direção e o Roteiro de Tate Taylor. Não li o livro de Kathryn Stockett, o qual o filme foi baseado, mesmo assim a história foi muito bem contada.

Então é isso! Entre emoções, risos e lágrimas, o filme entrou para a minha memória afetiva. De querer rever.

Nota 10!

Por: Valéria Miguez (LELLA).

jan 28 2012

Os Descendentes (The Descendants, 2011)

Muito mais que os prêmios conquistados até aqui, dois nomes me fizeram ver “Os Descendentes“: o do protagonista – George Clooney -, e o do Diretor Alexander Payne. Clooney por pertencer a uma seleta lista de que estando nos créditos, tendo oportunidade, eu assisto o filme independente da trama. Payne por ter me conquistado com “Sideways – Entre Umas e Outras“. Ele sabe trazer à tona um momento relevante na vida de um homem maduro. Universos masculinos com sensibilidade. Contextos bem diferentes de ambos os filmes. Pois num, a parada para essa revisão fora por livre escolha. Já nesse aqui, foi o destino que lhe trouxe. Meus Aplausos a Alexander Payne por mais esse trabalho!

Os Estados Unidos é um país de contrastes. Que chegam a ser paradoxais em alguns casos. Em “Os Descendentes” temos um deles na trama principal. Está até no título do filme. Perfeito, aliás! Fala da criação: como educar os filhos. De um lado há pais que, mesmo abastados, mesmo ciente de que um dia seus filhos herdarão tudo, incentivam que ainda jovens trabalhem em períodos de férias. Muitos começam entregando jornais de porta em porta, ainda na pré-adolescência. Fazem isso para que comecem a dar valor ao dinheiro conquistado pelo próprio trabalho. O personagem de George Clooney, Matt King, teve um pai assim. Embora tenha herdado um Fundo por Terras deixadas por gerações passadas, e que o deixaria viver com luxo e mordomias, foi cada vez mais vivendo dos próprios rendimentos como advogado.

“Dê a seus filhos dinheiro para fazerem algo, mas não o bastante para não fazerem nada.”

Grande parte dessa herança de família eram terras ainda virgens, em Kuai, Havaí. Num ponto super privilegiado entre serras e o mar. Com matas nativas. Um lugar belíssimo, que algum político cobiçou sim, ao criar a lei que tiraria a perpertuidade delas. Bem, o filme não foca essa relevância até Histórica: “Quem é o verdadeiro dono da terra?” Mas face a especulação imobiliária, e manter um latifúndio com também o intuito de preservar a natureza local, é um caso também a pensar. Muito embora, além de Matt e dois ou três primos, todos os outros queriam a venda de tudo, e o mais breve possível. Já que diferentes de Matt viveram só do dinheiro do tal Fundo. E sem o menor controle, estavam à beira da falência. Entre eles, o primo Hugh (Beau Bridges). Um grande canditado a futuro calo na jornada de Matt.

Mas essa iminente falência era problema deles, dos primos, e não de Matt. Pois esse, como já citei, um acidente do destino bateu a sua porta. Sua esposa, Elizabeth (Patricia Hastie), após um acidente no mar, entrara em coma. E pelos médicos: irreversível. Matt era um workaholic. O que o deixava ausente de casa. Mas também da vida da esposa, como das filhas Alexandra (Shailene Woodley) e Scottie (Amara Miller).

Às vezes as trombadas do destino não vem sozinha, vem com mais coisas. É que Matt descobre que a mulher o traía, e que só não o abandonou, porque o tal carinha, Brian Speer (Matthew Lillard) era casado, e nem cogitava se separar da esposa, Julie (Judy Greer).

Ah sim! Ainda é responsabilizado do acidente, pelo sogro, Scott (Robert Forster). Esse condenava Matt por não ter dado todo o luxo que poderia dar a Elizabeth. Na cabeça dele, se ela tivesse grana a rodo, viveria em shoppings, e longe dos esportes radicais.

“Que nada nos defina. Que nada nos sujeite. Que a liberdade seja a nossa própria substância.” (Simone de Beauvoir)

Matt, como depositário mor, tinha poucos dias para então assinar a venda das terras. Paralelo a isso, tentar se aproximar das filhas. Deixar de ser o pai omisso. Também tentar explicar a filha caçula que iriam desligar os aparelhos que mantinham a mãe viva. Digerir a descoberta de ter sido traído, e pela desculpa por ter sido um marido ausente. Também aceitar o fato que a Alexandra já era uma moça, e que agora poderia se enamorar de um cara como o Sid (Nick Krause). Como também de se entrosar com ele. Enfim, dar um novo rumo a vida.

O filme é muito bom, dentro de tudo a que se propos mostrar. Em se tratando do Havai, dá para imaginar paisagens deslumbrantes. A Trilha Sonora segue a cultura local. Houve química entre os atores. O final traz a assinatura do Payne. Quem viu Sideways irá sacar. Bem, eu saquei e sorri. Vale o ser visto! Mas não me deixou com vontade de revê-lo.

Por: Valéria Miguez (LELLA).

Os Descendentes (The Descendants, 2011). EUA. Diretor: Alexander Payne. Roteiro: Alexander Payne, Nat Faxon, Jim Rash, baseados na obra de Kaui Hart Hemmings. +Elenco. Gênero: Comédia, Drama. Duração: 117 minutos. Classificação: 14 anos.

PRÊMIOS:
- Vencedor do Globo de Ouro 2012 de Melhor Filme – Drama e Melhor Ator (Drama) para George Clooney.
- Melhor filme de 2011 pela Associação dos Críticos de Cinema de Los Angeles.

jan 23 2012

Late Bloomers – O Amor não tem Fim (2011). Ou, Envelhecer é um Recomeçar

De dois universos tão distintos, ela vem conquistando um lugar num topo de ainda na quase totalidade ocupado por homens. Assim, sendo eu também uma mulher, começo citando a Diretora, e também Roteirista, Julie Gavras. À ela meus Parabéns por ambos seus filmes. No primeiro que eu vi, o “A Culpa é do Fidel” (2006), traz a mudança de uma menininha ao ver que seu mundinho crescera, entendendo que vivemos numa sociedade não tão perfeita, ou não como todos nós desejamos. Já nesse segundo que eu assisto, “Late Bloomers – O Amor não tem Fim“, Julie Gavras já traz um casal entrando na velhice, onde além de ainda não ser uma sociedade perfeita, agora está jovem demais “em produtos”, e meio que excluindo os bem mais velhos “naturalmentes”.

Não sei se vale como um consolo, como a lei da compensação. É que se chegamos nessa fase da vida: é por continuarmos vivos! Pelo fato de sobrevivermos a violência urbana, também. Mas a trama desse filme traz essa longevidade como pano de fundo, ora pela própria natureza, ora pelos avanços da ciência. Como também esse filme não nos mostra isso de forma didática. Muito embora seria até válido. É que como temos um casal de protagonistas, de uma união já na casa dos trinta, o plano central foca o que vem com essa fase. A vida sexual também mudará, e em que?

É nisso que o título internacional sugere: um florescer para esse novo tempo. Uma descoberta, mesmo que tardia, de que ainda tem muita coisa para se fazer, viver… É o sentido da vida: seguir em frente. Agregando novos valores, abdicando de outros. Olhando-se no espelho: dizendo um “Olá!” para essa pessoa a princípio estranha, mas que até por conta disso, está ciente de que ainda é capaz de surpreender também a si mesmo. Que ainda tem muita tesão pela vida. Ou, como no subtítulo dado no Brasil: que se tem amor, não terá um fim. Será um recomeço. Já o título no original em francês pontua que esses 60 anos teve 3 fases de 20. Para esse casal a dos 40 aos 60 ficara curta demais. Ou, nem fizeram planos para esses 20 que teriam à frente. Com o susto, tiveram que passar a limpo esses quase 60 anos. Com isso, teriam que fazer individualmente também.

“Porque eu me imaginava mais forte. Porque fazia do amor um cálculo matemático errado: pensava que, somando as compreensões, eu amava. Não sabia que, somando as incompreensões, é que se ama verdadeiramente” (Clarice Lispector)

Mary (Isabella Rossellini) foi quem primeiro se deu conta da nova fase que chegara. Por conta de um lapso de memória: esquecera em como foi parar num quarto de motel com o marido. Ele, Adam (William Hurt), leva na esportiva a preocupação dela. Na verdade, ele nem se tocou. Mas fatos no transcorrer daquele dia, no seu trabalho, o fará repensar. Não em sua vida particular. Pois isso, na cabeça dele estava tudo indo bem. A questão era o impasse que a sua vida profissional se apresentava. Estava diante de uma encruzilhada. De um lado: aceitar um projeto que o sócio com dinheiro, Richard (Simon Callow, de “Quatro Casamentos E Um Funeral”, 1994.) queria muito que a Firma deles fizessem. Só que Adam, não apenas não queria aceitar, como tal projeto o faria pensar na velhice 24 horas por dia. Ele odiou até as novas mudanças que Mary fez na casa. Como as barras na banheira do quarto do casal. Só que sem perceber se apoiou numa para entrar na banheira. Não se trata de um spoiler porque a cena foi escolhida como cartaz do filme. O outro lado a escolher. Fora uma descoberta por acaso: ouviu sem querer a conversa de um grupo da Firma. E se o destino colocou na sua frente, não resistiria muito aquela tentação.

O projeto proposto por Richard, seria uma nova Flórida. Um Balneário para a turma da terceira idade, e rica, viverem, mas que atraísse também o desejo dos mais jovens. Com isso, ele teria que visitar asilos, conversar com muitos idosos… Mary até facilita um encontro desses. Leva um grupo do qual sua grande amiga Charlotte (Joanna Lumley) pertencia: Panteras Grises (Gris = de cabelos grisalhos. Uma entidade em defesa dos Direitos dos da Terceira Idade). Bem, o tiro saiu pela culatra. Por algo que uma delas falou sobre um Projeto do Adam. Fora um trabalho que lhe rendeu fama internacionalmente. Mas fez Adam perceber que ficou deitado nessa fama por muito tempo.

Já o outro projeto seria além de trabalhar com um grupo de arquitetos bem jovens, em dar uma cara nova a algo velho: uma arquitetura nova para um grande Museu. Algo que chamasse mais a atenção do que a Pirâmide do Louvre. Pois é, mesmo que, a grosso modo, um museu seja lembrado por guardar coisas velhas, essa arquitetura futurista teria encabeçando o nome dele. E isso era tentador também. Como também por quem estava à frente do grupo: uma jovem e cheia de gás Maya (Arta Dobroshi).

Acontece que para esse projeto Adam teria que captar patrocínio e isso ele nunca soube fazer. Como também ficou ciente que só o seu nome não valia mais para os jovens à frente de outras empresas. Ficara mal acostumado até com os cuidados da esposa durante a vida de casados.

Então, acabei falando mais dele em primeiro lugar do que dos conflitos existenciais da Mary. Mas viram o porque: o acorda dele veio pelo o que ele conquistara até então. Com a Mary não. Ela que vivera até então pela e para a Família, se vê perdida. Se sente invísivel, ou sentia-se antes de conhecer Peter (Hugo Speer), o dono da academia onde fora nadar. Pois procurando por um médico, ele receitara ginástica e também fazer um trabalho voluntariado. Além, pasmem! De que um dos remédios que receitara anteriormente, trazia esse efeito colateral: lapso de memória.

Se de um lado a ciência ajuda na longevidade de muitos, por outro também pode causar, ou acelerar novos danos. É como um aviso a uma medicação em excesso. Mas o filme também nos mostra, o quanto ela, a ciência, pode ser uma boa companheira. Tanto para Richard. Como para a mãe de Mary, Nora (Doreen Mantle). Nora me fez lembrar de Elsa, do filme “Elsa e Fred – Um Amor de Paixão“, também pelo jeito de aproveitar a vida. Meio clichê, mas quando se chega numa fase da vida, pode ser vista como: o primeiro dia do resto da nossa vida. Então, o melhor é vivenciá-lo como sendo o primeiro, sempre.

O primeiro “Acorda!” que Nora dá, é em específico para Mary. Depois, subjetivamente, traz dois, mas ao casal. Numa sociedade atual, tão mais afeita com o status, com aquilo que se tem, essas cenas nos mostra os reais valores. Charlotte também, ao seu jeito, tentou mostrar um deles a Mary. Até Richard, de um jeito torto, levou Adam também descobrir um deles. Os três filhos do casal – Giulia (Kate Ashfield), James (Aidan McArdle) e Benjamin (Luke Treadaway) -, bem que teram ajudar nessa. Mas talvez por deixarem certos ressentimentos aflorarem, tal ajuda veio como coadjuvante da de Nora, a avó deles.

Entre coisas do passado e do presente… o filme traz um merchan daqueles que se diz: “Que Excelente Sacada!” O Red Bull aqui ficará memorável!

É um filme que se vê com brilhos nos olhos. Uma história, e com atores mostrando todas as marcas do tempo numa cara sem maquiagem, seria algo que não interessaria Hollywood. Nem muito menos ao público bem jovem. O que é uma pena! Já que as reflexões os levariam a não carregarem bagagens inúteis em suas vidas futuras. O filme é um aprendizado sim, mas como já citei o faz sem didatismo. Mostra um envelhecer com respeito, elegância, e cheio de charme. Isabella Rossellini continua belíssima em vésperas de também completar 60 anos na vida real, e William Hurt adquiriu uma beleza ímpar com o sabor do tempo. A Trilha sonora também veio a somar a esse excelente filme. A música tema do filme é contagiante! Dá vontade de sair dançando. Lembra uma Banda da Lousianna, Mississipi. Não achei um vídeo com ela, então deixo o trailer. Não deixem de ver também esse filme.

Nota 10!

Por: Valéria Miguez (LELLA).

Late Bloomers – O Amor não tem Fim (2011). França, Bélgica, Inglaterra. Direção e Roteiro: Julie Gravas. Gênero: Drama, Romance. Duração: 95 minutos.

jan 21 2012

Gato de Botas (Puss in Boots. 2011). E o Valor de uma Amizade!

Fizeram uma homenagem ao escritor Charles Perrault, criador do “Gato de Botas“. É que em vez de uma Galinha dos Ovos de Ouro, colocaram uma Mamãe Gansa por conta do livro de contos infantis “Contos da Mamãe Gansa“, publicado em 1697; sendo um desses conto o do Gato de Botas. Cujo resumo da história é: Um moleiro possuia três bens: um moinho, um burro e um gato. Ele resolve repartí-los entre os três filhos na hora da morte. O filho mais moço, que recebeu o gato, ficou muito descontente, mas o gato demonstrou que um amigo leal e astuto vale mais que as riquezas.

O porque disso foi que deram uma nova história para esse famoso personagem que povoou o universo das nossas infâncias. Válido essa mudança? Sim! Não apenas pela liberdade poética que todos Roteiristas e/ou Diretores têm, mas também porque pelo o que li, pode ter continuações. O Roteirista principal dessa nova história é o mesmo que fez o soberbo “Como Treinar seu Dragão“, William Davies. Ele manteve a essência do original: Amigo leal, e de uma muita astúcia quando em perigo. Sacana, mas de índole boa.

Essa nova versão traz como pano de fundo, ou como nos finais dos Contos Infantis (De um tempo onde havia “estória” e “história”.), a moral da estória : o valor de uma verdadeira amizade. Bom, já que direcionado muito mais a um público infantil. Até porque essa amizade foi colocada em xeque: um não suportou ficar à sombra do outro. Ciúme, orgulho ferido, o ter sido preterido, o se sentir o patinho feio… Enfim, tudo isso seriam coisas momentâneas se não trouxesse como algo nato. Preocupado só em ter uma riqueza, a título de comprar um bem querer dos outros, levou a vida só planejando tal meta. Esquecendo-se do algo importante: viver a jornada. Me estendi nesse ponto porque é um filme que pode ser debatido em Sala de Aula. Uma sabedoria a mais para essa nova geração: valores morais e essenciais.

A amizade que nasceu dentro de um orfanato, parece que para um deles morreu também ai, mesmo tendo recebido carinho da dona desse lar adotivo: Dona Imelda. Ele é Humpty Dumpty. Esse personagem é de outro também grande escritor: Lewis Carroll. Que simboliza a instabilidade, ou o tentar equilibrar duas forças que se opõem em si mesmo. Numa linguagem simples: o lado do mal e o do bem. Será alguém que carregará esse peso, não apenas na consiência, como também nas ações. Para que lado penderá.

Onde Humpty Dumppty traz uma identificação, é no fato de por em prática seus desejos. Que na trama do filme está ir buscar quem produz os ovos de ouro. A aventura em si que fará seu amigo vivenciar, é fascinante. A grande questão é o que está por trás desse seu gesto. Conflitos que terá que arcar, já que é um problema dele, e não do amigo.

Gato de Botas é nome e sobrenome. As Botas representam quase uma comenda. Como um título de nobreza. Então, nessa versão elas são mais do que calçados mágicos. E algo que conquistou por um feito heróico. Gesto esse que mais tarde saberá que marcou o começo do fim numa amizade que a seus olhos seria tão promissora: Gato de Botas e Humpty Dumpty – amigos para sempre.

Chris Miller trouxe dos “Shrek” para esse filme aquela carinha que ficou memorável com esse personagem: o olhar de menininho carente. Que por esse gesto, seduzia até o mais durão dos vilões. E que como sabemos de que se trata de um estratagema, seu uso nessa versão também diverte. Os fins justificando os meios.

Como o Gato de Botas ganhara má fama como consequência de acreditar cegamente no amigo, só restou-lhe deitar nessa cama. Assim, de um francês da história original, nessa versão vem como um amante latino, de sangue espanhol. Um Don Juan das gatas. Embalado por uma Trilha Sonora sensacional: caliente, envolvente, vibrante… Nota 10!

Acontece que uma gata lhe dará grande trabalho não apenas na conquista, mas também na parceria arquitetada por Humpty Dumpty. Ela é Kytty Pata Macia. Recebeu essa alcunha pela leveza em roubar os outros sem que ninguém percebesse. Um duelo de dança entre esses dois gatos é de querer rever! E junto com eles, Humpty teria muito mais chance de roubar os Feijões Mágicos, como também escalar o pé de feijão até o castelo onde vivia a gansa que botava os ovos de ouro.

A beleza plástica de o “Gato de Botas” é deslumbrante! De querer até ver cada desenho. Cada Fotografia de tirar o fôlego. O Gato de Botas também merece uma Nota 10. Eu só não gostei muito da imagem da Kitty, não ficou feminina. Muito embora como ela é um felino criado nas ruas, ai sim ficou perfeita. Nota 10, também!

Agora, todo esse aprimoramento teve momentos de levar o filme nas costas. Não sei se por conta de um cansaço físico meu, mas o certo é que teve momentos que ansiei de o filme acabar logo. Não sei se também a história ficou literal demais. Como se quisessem contar toda a história pregressa dele nesse primeiro filme. Até meio que encaixando, e não explicitamente, como ele foi parar depois na “Terra de Tão Tão Distante”, onde vivia o Shrek.

O que também me levou a pensar que uma Animação como “Um Gato em Paris” cujo desenhos são até simples me prendeu muito mais a atenção. Como também eu não vi em 3D, pode ter sido esse o motivo de ter sentido um certo tédio. Se o filme me encantasse por um todo, eu até voltaria a rever, sendo que dessa vez em 3D. Lances assim onde o próprio Diretor diz publicamente que concebeu o filme em 3D, mas que acabou ficando mais uma muleta do que um coadjuvante, ainda me leva a não ver com bons olhos essa febre do 3D. E James Cameron ainda figura sozinho no topo dos longas que usaram com perfeição essa tecnologia, com o seu “Avatar“. Bem, um que brincou com o 3D e nos brindou com tal uso, foi o Diretor Tim Burton. Os Diretores em geral deveriam repensar, e várias vezes, antes de basearem um filme nesse recurso. Até porque muita tecnologia às vezes atrapalha, como também ainda não há muitas Salas para 3D ao redor do planeta. Sem contar do preço do ingresso: nada popular.

Por conta disso, o filme por um todo recebe uma Nota 9. Mas sem me deixar desejando por uma continuação.

Ah, com essa nova “onda” das Animações só serem exibidas em cópias dubladas, segue aqui dois trailers. O primeiro dubado, e o outro legendado. Como eu já comentei num texto, nada contra os Dubladores do Brasil, a questão é em nos dar o direito em optar em assistir na versão original -legendado -, ou dublado. –

Por: Valéria Miguez (LELLA).

Gato de Botas (Puss in Boots. 2011). EUA. Direção: Chris Miller. Gênero: Animação, Aventura. Duração: 90 minutos. Página no IMDb com mais detalhes da Ficha Técnica. A listagem com os nomes das Vozes no Brasil: Dubladores.

jan 5 2012

Livro: O Advogado do Diabo, de Morris West, 1959

“Se deve educar primeiro o coração depois a cabeça“

Talvez muitos tenham deixado de ler influenciado apenas pelo título. Também não tem nada a ver com o filme americano. Abaixo segue uma sinopse oficial do livro. Agora, eu gostaria mesmo de deixar as minhas impressões de O Advogado do Diabo, de Morris West.

“Na incredulidade, não existe pai, não existe relação. A gente não vem de parte alguma, não vai para parte alguma. Nossos atos mais nobres são destituídos de significado.”

Quando comecei a ler eu sabia o que representava o termo “advgado do diabo” para a Igreja Católica; e lendo a contra-capa do livro, à época, interessei-me. Confesso que não esperava tanto. É fascinante a história, e que segue num crescente até o final. Há uma passagem, logo no início, onde o padre Meredith se questiona, mais ou menos assim:

“Como ele que foi um bandoleiro vai virar um santo, e eu que dediquei minha vida à igreja vou deixar minha vida em branco?“. Outra que também emociona é quando ele se sente traído por um Deus que dedicou-se tanto.

Pode até parecer que deste ponto em diante será um quase duelo de egos; que ressentimentos irão deixar a narrativa angustiante, pesada. Creiam! Dai para frente o desenrolar da história é um brinde a nossa sensibilidade! Investigando sobre Giácomo, Meredith fará um mergulho em si mesmo. E na vida que não viveu.

“Quando não se sabe de onde virá a nossa próxima refeição, como é que se pode pensar ou preocupar-se com a situação de nossa alma? A fome não tem moral.”

A descoberta de novas sensações muito mais que novas emoções, nos levarão a viajar com ele. Quase que sentindo o mesmo prazer; o mesmo gozo. Uma em especial torna-se um grande convite. E não dá para buscar um refinamento numa palavra, porque nem aroma, nem fragância, nem muito menos perfume, terá o significado simples e especial para ele: cheiro. Sim, para ele que passou grande parte da vida mergulhado nos livros, de repente começar a sentir novos cheiros, inclusive, cheiro de mulher. E fica vislumbrado! Não! Não somente ele, mas a todos que se dispõe a ler esse livro.

“Sinto a vida escoando-se de mim. Quando vem a dor, choro, mas não existe prece em meu pranto. Somente medo.“

Esse livro entrou na minha lista “the best”. Leiam, não perderão a viagem!

Já houve uma adaptação para o Cinema, em 1977, “Des Teufels Advokat“, de Guy Green, com Roteiro do próprio Morris West. Mas bem que poderiam fazer uma versão mais recente. A história é excelente!

“Como acontece com a maioria das pessoas bem educadas, não tinha defesa contra a grosseria dos outros.”

Sinopse: Na Calábria, sul da Itália, surge um culto não-oficial em torno da memória de Giacomo Nerone. Milagres são atribuídos ao eremita, que se tornou mártir ao ser assassinado pelos comunistas nos últimos dias da Segunda Guerra. O Bispo Valenta ordena uma profunda investigação no caso. Ficando a cargo do padre inglês Blaise Meredith. Um verdadeiro advogado do diabo, que tem a obrigação de encontrar e denunciar qualquer fato que possa impedir as santas honras sejam dadas a Giacomo. O protagonista se envolve numa trama rica em contradições e descobertas que chegam a modificar seu enfoque sobre a vida. Sem dúvida, quem o ler modificará seus prismas ou, no mínimo, ampliará os horizontes.

Advogado do Diabo = No contexto da Igreja Católica, um padre é designado para investigar se uma determinada pessoa considerada santa de fato é digna da beatitude que lhe é atribuída.