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jan 25 2012

Tão Forte e Tão Perto (Extremenly Loud and Incredibly Close, 2011)

ImagemEm junho passado, uma amiga minha do Brasil, veio me visitar, e ela muito me falou do escritor Jonathan Safran Foer, em especial do livro, “Extremely Loud, Incredibly Close.” Logo dei uma pesquisa, e fiquei a saber que o director de “The Hours (2002) Stephen Daldry estava dirigindo a versão do livro para o cinema.

Ela me encorajou a ler o livro, e até cheguei a ler algumas paginas, mas não me envolvi pela leitura, e resolvi esperar para ver o filme. O enredo é sobre um menino que busca por uma fechadura por toda cidade de Nova York. Ao achar uma chave nos pertences do pai, ele acredita que seu pai – que morreu nos ataques de 11 de setembro de 2001 – propositadamente lhe deixou o objeto. O enredo muito me fez lembrar de “Hugo” de Martin Scorsese, pois temos em “Extremely Loud, Incredibly Close”,  um menino inteligente e bonitinho, um pai falecido e um mistério.

ImagemUm ano depois dos ataques de 11 de setembro, Oskar Schell (Thomas Horn) ainda sofre com morte de seu pai, Thomas (Tom Hanks). Oskar e sua mãe, Linda (Sandra Bullock), ainda vivem em Nova York, em frente ao prédio onde vive a avó do menino.

ImagemPara quem perdeu um ente querido, sabe como é dificil largar os pertences do morto – é uma das coisas mais difíceis de fazer.  E por tal, é facil sofrer e sentir a dor de Oskar, principalmente quando ele fica escutando a voz do pai. Nada de errado em ser um filme emocionalmente devastador – drama tem que ser emocionante  e achei que Daldry sabesse conduzir isso, mas..-

Entre um choro aqui e ali, Oskar decide resolver o mistério deixado por seu pai, envolvendo a chave, os nova-iorquinos com sobrenomes Black (todos os 472 que vivem na cidade!), a voz do pai deixada na secretária eletrônica e um  pandeiro. Assim começa as aventuras de Oskar.

Três coisas que achei problematicas no filme:

1- Mesmo que Hanks tenha um tempo limitado no filme, ele desempenha um personagem tão idealizado como “o melhor pai que já viveu no mundo”, que me pareceu falso, enquanto a mãe de Bullock parece tão negligente que, quando a explicação plausível para a sua longa ausência é justificado, eu me perguntei: que tipo de mãe deixaria o seu filho de 11 anos sozinho numa cidade grande como Nova York, e ser também acompanhado por um idoso estranho?. Quando o filme me deu a resposta para a tal atitude da mãe, desejei que tivesse um pandeiro para jogar na cara dela!.

2- Apesar de Oskar achar que a chave vai trazê-lo para mais perto de seu falecido pai, nunca que se pode acreditar por um momento que a essência da trama fosse para uma aventura no estilo “ o que vale é jornada, e não o destino” que terá o menino. A estrutura do filme não me prendeu – a busca de Oskar por respostas- suas idas de um endereço para outro.

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3- Nem quero criticar o ator Thomas Horn, pois esse é seu primeiro filme, e ele mostra ter potencial para ser um bom ator, mas o seu personagem, me fez lembrar da Mattie (Hailee Steinfeld) de “True Grit” (2010). Horn decorou muito bem os dialogos que tinha que decorar. O menino é o narrador do filme, e se sabe dos seus pensamentos e decisões privadas antes de ocorrer ação, por examplo: ele mente muito! Mas o roteirista  Eric Roth e Daldry exagera ao fazer uso de voice- over, pois todas as vezes que Oskar mente, vem aquela  justificativa como se os outros personagens acreditassem na mentira dele. Compreendo que Oskar é um menino assustado, chocado pela morte do pai, mas o seu comportamento, e atitudes de  superioridade chega a irritar. Que prazer alguem poderia ter em ter a companhia de um menino tão arrogante?. Quando ele é acompanhado pelo velho (Max von Sydow), ficamos a saber que o misterioso senhor é incapaz de falar – isso significa que o garoto vai falar ainda mais. Fala tanto que me deu vontade de gritar : “Shut the F* up” !.  Desde “True Grit” – com aquela menina falante e irritante, vivida pela gracinha da Steinfeld-, que eu não tinha visto um personagem tão chato quanto Oskar.

Menos ruim, mas não perfeito :

ImagemMax Von Sydow até poderia ter roubado o show para si, se a sua personagem tivesse sido bem desenvolvida e bem conduzida, pois as cenas mais interessantes do filme, são as que ele aparece. A química entre ele e Horn é bastante vaga, e quando Von Sydow sai de cena, a alma do filme vai junto!. Sou um grande admirador desse veterano ator, especialmente por causa de sua grande expressividade, e esforço, e fico triste que ele ganhe uma indicação ao Oscar por um papel tão superficial.

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Faz um tempinho que venho escutano a trilha que Alexandre Desplat escreveu para o filme. Particularmente achei esse o seu melhor trabalho entre as trilhas que ele escreveu para 5 filmes diferentes em 2011. Mas quando ouvi as suas musicas emoldurando a fotografia de Chris Mendes (com uso de edge blur em algumas cenas) senti que Nova York nunca pareceu um lugar tão monótono e nada maravilhoso. A trilha sonora  é linda, mas não achei que case com o filme!.

No geral, “Tão Forte e Tão Perto “ é decente tecnicamente, mas esperava algo mais emocionalmente envolvente e um pouco menos manipulador. Eu certamente não queria sair do cinema como sai depois de “United 93” (2006), totalmente devastado pelo ocorrido em 11 de setembro, mas pelo menos os produtores deveriam ter  - extremamente -,  se preocupado mais com o mundo de Oskar do que ter investido – incrivelmente-, em tudo, pensando no Oscar!.

Nota 5,0

P.S.: Para minha surpresa, “Tão Forte e Tão Perto “ foi indicado para melhor filme, e melhor coadjuvante para Von Sydow. Indigna consideração!.

jan 24 2012

50% (50/50, 2011)

“50/50” é engraçado e dramático e talvez não venha agradar a todos, mas é um filme muito sincero. Particularmente, não me senti manipulado para sofrer com o drama do personagem principal, e por tal, que amei esse filme.

No primeiros minutos, vemos Adam (Joseph Gordon-Levitt), um jovem aparentemente saudável, o qual tem um bom emprego, uma namorada linda e toda a sua vida pela frente. Mas, depois, ele recebe uma má notícia – tem um raro tipo de câncer na medula, e suas chances de sobreviver é de apenas 50%.

Honestamente, não existe nada de inovador esse filme, mas o diretor Jonathan Levine conseguiu equilibrar comédia e drama de uma forma muito bacana. E, realmente gostei de como os personagens olham para o câncer – um aspecto interessante ao tratar dos relacionamentos pessoais de Adam. Por mais que o filme seja sobre câncer e a luta do jovem contra a doença, eu achei que o filme busca explorar o efeito que uma doença como essa pode causar nas pessoas que amam Adam, e como elas querem ou não sabem lidar com a nova realidade dele – pois cada pessoa tem suas próprias, diferentes maneiras de reagir.

Seth Rogen é engraçado e igualmente irritante como o amigo arrogante de Adam – e politicamente incorreto quando sugere ao amigo a usar a sua doença para ganhar a simpatia das mulheres. A namorada de Adam- interpretada pela linda Bryce Dallas Howard-, encontra o  câncer do namorado como um obstáculo no relacionamente deles. Me comovi com fragilidade que Dallas Howard imponhe ao personagem, no limite entre a menina mimada, infiel, e mesmo assim infeliz por não saber como lidar com  doença do namorado. Outro ponto positivo é o relacionamente entre Adam e sua mãe(Angelica Huston). Como já cuida do marido doente, Adam resolve de uma forma bem egoista, ignorar os telefonemas da mãe, e assim não preocupá-la mais. Quem gosta de ver a sua mãe sofrendo?

Atores:

Sempre achei o Gordon- Levitt um grande ator – uma espécie de Juliette Binoche de calças. Sua força dramática está justamente no olhar, nas nuances da sua expressão facial, que vai de um sorriso sincero até num olhar triste. Talvez outro ator exagerasse nos detalhes que fazem Adam um personagem tão humano. Gordon-Levitt usa a sua delicadeza, e se o Oscar fosse justo, e não uma politicagem barata, ele deveria estar entre os indicados este ano.

A melhor cena:

Anjelica Huston tem um papel pequeno, mas a presença dela é tão marcante, que adoraria vê-la no Oscar também, mas-. A cena quando ela diz: “I only smothered him because I love him” – “Eu apenas o sufoquei porque o amo”,  me fez chorar durante e depois que sai da sala de cinema. Não é só a pessoa doente que sofre, e essa é uma cena que foca a linha do núcleo emocional do filme.

O que não gostei:

Katie (Anna Kendrick), a terapeuta que ajuda Adam. Eu não senti nenhuma química entre Kendrick e Gordon-Levitt. Achei que ela foi uma escolha errada para o papel, pois faz as mesmas caras e bocas da sua personagem em “Up in the Air” (2009). Muito mais interessante e terapêuticas são as presenças de Phillip Baker Hall e Matt Frewer como os dois pacientes com câncer que Adam conhece no hospital.

50/50 é muito bem escrito, dirigido, e interpretado, e prova que as vezes quando as coisas andam muito mal, doe menos quando nós começamos a rir.

Nota 8,5.

P.S.: O filme é vagamente baseado na vida do roteirista Will Reiser. Seth Rogen é um dos produtores do filme.

jan 23 2012

Toda Forma de Amor (Beginners, 2010)

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“Beginners” é um belo filme sobre amor, perda, vida, família, amizades e um cachorro falante (com uso de legendas). O roteirista e diretor Mike Mills me surpreendeu, fazendo um filme que tem um pouco de Woody Allen, com estrutura de filmes como “(500) Days of Summer” (2009), e, gastando apenas 3,5 milhões de dolares.

O filme começa com uma montagem de imagens narrado por Oliver (o sempre talentoso Ewan McGregor), um artista comercial que acaba de perder seu pai (Christopher Plummer). Com fotos diante dos nossos olhos, indo e voltando entre 1955 e 2003, a narrativa cresce e encanta, pois em poucos minuto, eu senti que conhecia Oliver e seus pais por anos.

Para quem é? 

ImagemPara quem gosta de um filme leve, e bem humano, “Beginners” é um aqueles filmes que encantam, e  não apenas por seu teor gay – o pai de Oliver sai do armário, quatro anos antes de sua morte. A mudança no estilo de vida do seu pai veio como um choque, mas sentimentos também a honestidade da relação entre Oliver e o seu pai.

Atores:

Provavelmente, Plummer vai levar o Oscar de melhor coadjuvante, e ele merece, mas seu personagem teria metade da humanidade que tem se ele não tivesse um parceiro de cena tão maravilhoso quanto McGregor. Achei que o filme é “quase” todo astro de “Moulin Rouge!” (2001).

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Na fase depressiva da sua personagem, Oliver conhece uma jovem atriz vivida por linda Melanie Laurent. Há uma atração instantânea entre eles, mas na cabeça de Oliver – por causa de sua melancolia – a relação parece encontrar barreiras. Entre as cenas de monólogo interior, Mike Mills brilha num truque narrativo, acrescando legendas entre o dialogo entre Oliver e o seu cachorro. Essa ferramenta apenas aumenta a forca dramatica de McGregor, que nos dar ainda mais introspecção no processo de pensamento de Oliver e suas decisões privadas.

Bem, o filme ilustra que a vida move rapidamente, e que cada um de nós temos que nos certificar que tevemos viver a vida ao máximo e nos cercarmos de pessoas que que nos ama, e amá-las de volta. E nos faz lembrar que a cada dia é um novo dia, e uma nova vida- sendo assim, posso dizer que somos todos iniciantes, certo?

Nota 9,0

jan 18 2012

“O Espião que Sabia Demais” (Tinker Tailor Soldier Spy, 2011)

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“O Espião que Sabia Demais” é literalmente uma tradução do livro de John le Carre, o qual foi anteriormente adaptado em uma bem respeitada minissérie da BBC de seis horas de duração em 1979, com Alec Guinness. O talentoso diretor Tomas Alfredson cortou as seis horas da minissérie e fez um filme de apenas 2 horas, mas ainda assim, achei o filme extremamente longo, e confuso.

Para quem é? 

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Para quem gosta de filme de espionagem, “Tinker Tailor Soldier Spy” é um bom prato.

Atores:

O elenco é maravilhoso com destaque para Gary Oldman, o qual me fez lembrar de Ryan Gosling, em “Drive” (2011), com uma atuação sutil e minimalista. O desempenho de Oldman está em seus olhos, quando ele faz  perguntas, reage às respostas de uma forma bastante interessante. Oldman simplesmente carrega o filme em seus ombros, oferecendo um desempenho lento, e preciso, e talvez por isso, assim como o Gosling não irão ao Oscar – até uma indicação parece algo distante para eles, mas espero que não seja impossivel!. . ImagemOutro ator que brilha nesse filme é Tom Hardy ( excelente ator!!!!) , o qual também está igualmente perfeito, no interessante filme “Warrior” (2011), fazendo um homem lutando por uma resolução para sua dor e assombrado pelas decisões que ele fez na vida. Celo Silva fez uma boa leitura sobre “Warrior” aqui: http://umanoem365filmes.blogspot.com/2011/12/359-guerreiro-warriorgavin-oconnor2011.html

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Seria muito bom se os roteiristas e o director de “O Espião que Sabia Demais” tivessem injetado mais vida, em termos de entretenimento ao filme. Bem, o requinte dos cenarios, a fotografia de Hoyte Van Hoytema, que respira nos anos 70, com o céu cinza, e esfumaçado; o belo trabalho de edição, e uma trilha sonora muito boa de Alberto Iglesias, apenas enriquece o filme, mas faltou alma/ vida. Um belissimo filme, que custou apenas 21 milhões de dolares – o Polanski gastou 25 milhões no seu “Carnage” o qual é plasticamente inferior ao filme de Alfredson!. Longe de ser um filme ruim, mas ”O Espião que Sabia Demais” tem personagens demais, situações demais, e acabei me perdendo em torno da beleza plastica do filme.

Por essa beleza plastica e os atores, dou nota 7,5

jan 17 2012

“O Homem Que Mudou o Jogo” (Moneyball, 2011)

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Adaptado do livro de Michael Lewis “Moneyball: The Art of Winning an Unfair Game”, por Steven Zaillian e Aaron Sorkin, o filme de Bennet Miller é sobre estatisticas no esporte, e a fidelidade  dos valores que você acredita.

O filme começa no final, em outubro de 2001, quando os Yankees, time de elite do compeonato norte americano baseball, bate o Oakland Athletics. O gerente geral do time perdedor Bill Beane (Brad Pitt) não apenas perdeu o jogo, mas também as estrelas do Athletics, que abandonaram o time porque seus salarios  eram super elevados em releção ao orcamento da franquia. Com ajuda de um jovem formado em economia Peter Brand (Jonah Hill), Beane se auxilia a nomes de jogadores que a equipe pode pagar. Oakland Athletics se ergue com jogadores machucados, e de qualidade tecnica inexpressivas, os quais tem suas posições no campo modificadas para assim corresponder a proposta de uma nova identidade do time, tendo o lema “adaptar-se ou morrer.”

Para quem é? 

Para aqueles que não entendem nada de baseball assim como eu!. “Moneyball” não é sobre o que acontece em campo, é sobre o que acontece fora do campo. Não é sobre uma tentativa de ganhar um campeonato, mas sobre como a garra, e a luta de se acreditar num objetivo, ultrapassando a ideia de que o dinheiro compra tudo, ou se pode ganhar tudo.

Atores: 

ImagemPhilip Saymor Hoffman está maravilho como o tecnico do Atlhetics – um papel relativamente pequeno. Jonah Hill se mostra ser um bom ator, porém “Moneyball” pertence a Brad Pitt. Sempre o achei um ator muito talentoso. Pitt tem uma atuação contida, sutil, e muito sensivel, capturando todas as frustrações de um homem para quem a vitória sempre foi evasiva.

ImagemUm filme bem dirigido, fotografado, e com um trabalho de edição muito interessante feita por Christopher Tellefsen, “Moneyball” não é o melhor filme do ano, mas é aquele filme que apresenta uma mensagem forte, onde fortalece a ideia que o coração de um jogador não está no objetivo de ganhar, mas de ser competitivo o suficiente para permanecer no jogo – não apenas para ganhar dinheiro, mas para a emoção da vitória, e nessa vida, todos nós somos jogadores.

Nota 8,0

jan 16 2012

A Pele que Habito (La Piel que Habito, 2011)

ImagemParente mais próximo de “Má Educação” (2004), ”La Piel que Habito“, é um filme bizarro, o qual  mistura características sobre  identidade sexual, traição, ansiedade, solidão, e morte.  Pedro Almodóvar adiciona a isso, um elemento de ficção científica que beira o horror. Talentoso como é Almodovar não deixa esse híbrido melodramático torna-se num filme ruim como a sua obra anterior “Los Abrazos Rotos” (2009), mas essa adaptação da obra do escritor Thierry Jonquet, não é  uma obra-prima, apenas um bom passa-tempo, se assim posso dizer!.

A história é sobre um rico cirurgião Robert Ledgard (Antonio Banderas), que  mantém uma bela mulher trancada em um dos quartos de sua mansão. Ela é sua prisioneira ou paciente? Quem é essa mulher chamada Vera Cruz ( Elena Anaya)? Qual é sua relação com Ledgard? Por que ela deve ser mantida em uma sala trancada? Com ​​essa premissa firmemente estabelecida, essas perguntas serão respondidas no decorrer do filme.

Atores:
Banderas é enigmaticamente formidável como o cirurgião que se comporta como um homem possuído por suas ambições. E quando suas ambições mudam de direção, ele é ainda mais assustador, mas não é o tipico de cientista louco dos filmes de horror !. Anaya que é uma atriz de beleza hipnótica, nos faz cair de amor e luxúria por sua Vera Cruz. Marilia Paredes é magnífica num papel desafiador, e Jan Cornet faz um belo trabalho como Vicente.Imagem

Esse filme é  para quem ?

Creio que se precisa gostar muito do cineasta espanhol para apreciar essa obra. Tecnicamente perfeito – Almodovar e o seu diretor de fotografia, José Luis Alcaine, criam um mundo de um visual vibrante, e Alberto Iglesias compôs uma trilha sonora cheia de cor e escuridão com tons altos e baixos-, a qual é  a melhor coisa do filme como um todo para mim!.

ImagemAo passo que Almodovar vai relevando o mistério em torno da personagem de Anaya, mais eu fiquei desconectado com o filme. Muitos podem levar esse filme a sério, principalmente a quem curte as questões de gênero, associado à feminilidade e masculinidade. De acordo com Judith Butler, sexo é algo objetivamente natural, e, não existe: “a realidade de gênero é performativa”, o que ela quer dizer que gênero é real na medida em que é realizado.” O corpo torna-se seu gênero somente através de uma série de atos que são renovados, revistos, e consolidados através do tempo, e não numa troca de pele. Gostaria de ter visto as duas personagens sendo interpretadas pelo mesmo ator, e quem sabe se isso não me chocaria…se essa era a intenção de Almodovar.

Nota: 7,0

jan 15 2012

“Carnage” (2011)

Yasmina Reza adaptou junto com Roman Polanski, a sua magnífica peça “God of Carnage”, que cheguei a ler. Não vi no palco, mas estava ancioso para ver o filme de Polanski , que particularmente, vale cada centavo que eu gastei!.

Situado em um apartamento em Nova York, dois casais cujos meninos tiveram um “desacordo” no playground, o que resultou na “disfiguração” de um deles. Jodie Foster e John C. Reilly interpretam os pais da “vítima”, e Kate Winslet e Christoph Waltz fazem os pais do menino “culpado.” Na tentativa de resolver questões em relação aos seus filhos, o que seria uma troca cordial se transforma em uma “guerra”.

Para quem é? 

“Carnage” é para quem gosta de atores. E, esse é o meu tipo de filme. Tem um elenco de quatro atores talentosos, jogados em um apartamento, onde discutem – com diálogos inteligentes.  Na verdade, “Carnage” é uma comédia, porque a vida é realmente engraçada e igualmente absurda.  A mistura de emoções, e  álcool -  o filme só fica melhor e melhor quanto mais álcool é consumido.

Expectativas:

Não vou dizer que este é um filme perfeito, porque não é, mas isso não diminue a minha apreciação a obra de Polanski. Por examplo,  dentro dos primeiros minutos, eu questionei o fato de  Winslet e Waltz já estarem na casa do outro casal, e depois vão indo ao caminho do elevador. Parecia que as questões já tinham sido resolvidas, mas-

Atores: 

O elenco é simplismente perfeito.

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Jodie Foster interpreta Penelope Longstreet, que se auto-declara como uma “pessoa boa”. Foster excessivamente domina o filme, fazendo essa mulher cheia de raiva incontida – porque seu filho perdeu dois dentes e ficou “desfigurado” como ela diz para os Cowans.  John C. Reilly faz Michael, que é o tipo de marido que mostra total paciência para sua esposa, mas que para ele também existe limite para tudo. Reilly é uma ator singular na capacidade de retratar a comédia e o drama como parte de suas nuances interpretativas.

 

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Christoph Waltz faz Alan Cowan -  talvez seja o melhor dos quatro personagens e apresenta a melhor atuação do filme. Toda vez que  ele abre a boca, o filme fica melhor. E, as constantes ligações do celular, são irritantes e brilhantes ao mesmo tempo. Kate Winslet faz Nancy Cowan, que é tão perturbada por tentativas de Penélope em lhe contar como criar seu filho como pelas interrupções do seu marido ao telefone. Winslet  é responsavel pelas duas melhores cenas do filme – a do vomito e do celular.

“Carnage” é sobre a batalha dos sexos, e também sobre a batalha de classes, mas o filme não se aprofunda sobre as questões  socioculturais,  Polanski ilustra mais o comportamento humano emergindo das sombras. “Carnage” não revelou nada mais do que eu já sabia, mas me fez balançar a cabeça em reconhecimento do comportamento que vejo nos outros e, Deus me perdoe, que até vejo em mim.

Nota 8,5

dez 31 2011

Cavalo de Guerra (War Horse, 2011)

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Vi a aclamada peça de Nick Stafford, e amei!. Li o roteiro de Richard Curtis e Lee Hall antes de ir ao cinema. E, embora nunca tenha lido o livro de Michael Morpurgo que deu origem tanto a peça quanto ao filme, sei que “War Horse” é uma obra da literatura infantil.

Honestamente, fiquei surpreso quanto li algumas criticas negativas sobre o filme de Spielberg. Achei de puro mau gosto que alguns criticos tenham comparado esse filme com o resta da obra do cinesta. Bem, o sentimentalismo tem sempre sido marca nos filmes do diretor de “E.T.” E, em “War Horse”, me senti conquistado pela emoção. Melhor dizer que me rendi a essa emoção em vez de tentar questionar as minhas próprias reações emocionais.

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O filme começa no seio de uma família de agricultores. O pai (Peter Mullan) é um falido veterano de guerra, tentando ter sucesso como agricultor. Enquanto isso, seu filho Albert (Jeremy Irvine) rapidamente cria um vínculo com um cavalo chamado Joey, que foi comprado para ajudar a familia na agricultura. Com o advento da guerra, o pai, desesperado por dinheiro vende Joey para o exército britânico. Albert, que é muito jovem para se alistar, sofre com a idea de perder Joey, mas o capitão Nicholls  (Tom Hiddleston) – que muito faz lembrar do capitão Ashley Wilkes, de Leslie Haward, de “ E o Vento Levou”-,  assegura ao garoto que ele vai tomar conta do cavalo e trazê-lo de volta no final da guerra. Esta é apenas a primeira de várias vezes que Joey vai mudar de proprietários no decorrer no narração.

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O retrato de devastação da Primeira Guerra Mundial é vista através dos olhos Joey.  Com uma encarnação mítica, quase sobrenatural, o cavalo tem grandes qualidades: leal, nobre, determinado e forte. No entanto, Joey não é apenas esse vaso simplista de valores universais, ele é também, às vezes teimoso, e obstinado. Tem seus momentos de grandeza, mas também seus momentos de fraqueza e medo da perda. Por exemplo a sequência mais comovente do filme é justamente uma que ilustra Joey correndo bravamente e assustado, em meio aos campos de batalha, no norte da França.  Ah, as cenas de batalha são lindamente bem feitas, mas sem serem graficamente sanguentas como as que Spielberg fez em “Resgate do Soldado Ryan”. Aqui, nenhuma gota de sangue é derramada, pois Spielberg respeita o público mais jovem, nos fazendo focalizar tudo sobre o ponto de vista de Joey.

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Spielberg reúne um bom alenco britanico, David Thewlis, Emily Watson, David Kross (de “O Leitor) e Eddie Marsan, apenas para mencionar uns poucos, porém nenhum desses atores se destacam. Todos tem boas atuações, mas não me importei com suas personagens. O novato Jeremy Irvine cresce no decorrer da projeção do filme, mas mesmo assim, não oferece nada de tão especial. Também achei uma chatice o avô feito por Niels Arestrup, que tem a mesma cara da sua personagem em “Un prophète” (2009), e de sua neta adolescente Emilie (Celine Buckens). O personagem que mais gostei, o capitao feito por Tom Hiddleston, morre logo no inicio do filme.

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Mas isso não dimini as qualidades de “War Horse”, pois a verdadeira estrela é o cavalo — ou melhor, os cavalos que interpretam Joey, em que o foco permanece apesar de alterar as configurações e outros personagens vêm e vão, muitas vezes tragicamente. Os treinadores de animais faziram um trabalho realmente magistral ao transmitir a personalidade, emoções e pensamentos do belo cavalo. E, isso é também muito mérito do fotografo Janusz Kaminski!

Este ano, muitos cineastas têm olhado com carinho para o passado em busca de inspiração. Scorsese celebra o nascimento do cinema em “Hugo”; Hazanavicius homenageou a transição do cinema mudo para o falado em “The Artist”, e para não ficar de fora, Spielberg remete para um modo antigo de cinema – mais do que qualquer filme do cineasta fez na década passada, “War Horse”, incorpora as características do grande cinema clássico de Hollywood, incluindo uma citação visual de “E, o Vento Levou…”, nos segundos finais do filme. Fiquei todo arrepiado, até deu uma vontade de ver Scarlett O’Hara ali com um punho erguido prometendo nunca mais sentir fome novamente.  Emocionante!!

Há um bom tempo, venho escutando a belissima trilha sonora de John Williams. Achei que no filme, as faixas são excessivamente tocadas, mas embaixam essa proposta do cinema clássico de Hollywood, que Spielberg homenageia!. “War Horse” não é o melhor filme de Spielberg, e nem está na minha lista entre os 10 melhores filmes que assisti esse ano, porém o mesmo me envolveu tanto que quero ve-lo novamente na tela grande!. Sua cara de Oscar vem lhe rendendo criticas negativas, mas se ganhar – o que acho impossivel-, pode ser uma maneira muito boa de homenagear o passado!.

Nota 8.5

dez 24 2011

As Aventuras de Tintin (The Adventures of Tintin, 2011)

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Honestamente, não achei que os quatro minutos de crédito de abertura foram cansativos. Contudo, acredito que “The Adventures of Tintin” seja um bom exemplo de filme que vai ser “apenas” para os fãs de história em quadrinhos, do qual ele é baseado.

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Nunca ouvi falar de Hergé antes, e nunca li uma única página do “Tintin.” Fui ao cinema totalmente “vazio”, sabendo apenas que iria assistir um filme de Spielberg- e, que Peter Jackson era o produtor!. Entrei no cinema em 3D em total desvantagem.

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Como se consta, Tintin( Jamie Bell) é um jornalista investigativo – uma espécie de Indiana Jones com uma máquina de escrever-, e sem muita demora ele está na caça para desvendar o segredo em torno de pequeno modelo de um barco do século 17 chamado “Unicorn.”  O barco se relaciona com a família Haddock de marinheiros e, o arrogante vilão  Red Rackham (Daniel Craig).

A história é bastante fácil de seguir e Spielberg injeta toda a ação e aventura que temos visto e desfrutado em semelhante características temáticas como em “Indiana Jones”. O único problema aqui, foi que eu nunca fui capaz de me importar com o que está acontecendo. Não  existe conexão entre os personagens, e todo o mistério que parece ter sido inventado apenas com a necessidade de contar uma história, e não como uma progressão natural dos eventos.

Logo no inicio do filme, Tintin se depara com o modelo de “Unicorn”, e decide comprá-lo, más imediatamente é abordado por dois senhores. O primeiro sugere que Tintin se livre do “Unicorn”, e o outro sugere que Tintin venda a miniatura de barco para ele. Fiquei super curioso em saber quem são essas pessoas, quem é o vilão ou vilões nesta trama sinistra. Talvez eu fosse aprender mais tarde … mas talvez não …

Spielberg trata o material como se todos que forem ver o filme, já estão familiarizados com o personagem e tenham um conhecimento íntimo de suas peculiaridades e características. Eu particularmente, me perdi, porque “The Adventure of Tintin” simplesmente salta de um local para outro, revelando algumas pistas novas em relação ao mistério no centro da trama, mas os personagens são tão “vazios” que foi impossível para eu me preocupar com a história ou o resultado final.

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Sim, o filme é belissimo, as imagens e as caras dos personagens de animação são realmente muito impressionantes, assim como é a trilha sonora escrita por John Williams, principalmente nas  seqüências de ação, particularmente em uma cena sem cortes de mais de 2 minutos pelas ruas de Baghar – na verdade, todas as cenas em Baghar foram perfeitas, e para mim, foi a parte que mais gostei em todo o filme!. A edição de Michael Kahn é maravilhosamente interessante, assim como o trabalho de edição de som.

Como é de se esperar, é bem comum existir personagens cômicos em filmes desse gênero, mas o Capitão “bêbado” Haddock (Andy Serkis) é chatissimo do inicio ao fim, em sua repetição e variação das mesmas frases: “blistering barnacles” & “pilfering parasites”- e isso, apenas me irritou mais.  Honestamente, os diálogos desse filme são muito chatos, e muitas vezes nem consegui entender ou mesmo me importar com o que os personagens falam!

Motivações e intenções são claras, mas uma maior compreensão dos personagens e suas razões em relação a trama em si, é vago, por exemplo, Spielberg não releva muito, que tipo de vida Tintin tem e sua personalidade. Sim, ele é um investigador certinho, com um nariz para o problema, o que é bom, mas não é muito interessante. O cineasta coloca toda a ênfase do filme na parte de aventura.

Mesmo com 107 minutes de duração, achei o filme longo, e impacientemente queria sair da sala de cinema, e pedir o meu dinheiro de volta!. :(

Nota 6.0

dez 20 2011

“Drive” ( 2011)

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O triunfo do filme de Nicolas Winding Refn, se chama Ryan Gosling, que mais uma vez se transforma. O cara não erra uma, por exemplo, este ano Gosling igualmente brilha na comedia “Crazy, Love, Stupid”, e  “The Ides of March”, mas é  por “Drive” que ele deveria ser destinado ao Oscar em fevereiro proximo.

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Refn inspira uma sensação profunda de saudade, amor, choque e pavor, que faz desse filme uma obra interessantissima. “Drive” é centrado nas consequências das escolhas feitas por criminosos e o estado profundamente meditativo da vida que pode vir a ser um reflexo dos crimes que cometemos ao longo dos anos. Achei o filme uma jóia, principalmente o personagem “Driver” (Gosling), um mecânico de automóveis, dublê de Hollywood e piloto de automóveis em potencial de ações que ocasionalmente faz bicos como motorista de fuga criminal. Gosling cria um personagem que é calmo sob pressão, metódico, concentrado , confiável e, claro, um grande motorista. Ele evoca o espírito de cowboy-solitário de Clint Eastwood, e a intensidade de Steve McQueen. Suas escolhas o assombram e, finalmente, o colocam em uma posição onde ele deve buscar a redenção diante do mal que corrompeu o único bem em sua vida.

Num mundo cheio de dor e miséria, o “motorista” de fala mansa que, encontra um grande vázio na vida da sua vizinha, Irene (Carey Mulligan), a quem ele abriga um amor a distância. Quando ele consegue insinuar-se, é instantaneamente encantado com o afeto de Irene, mas logo sofre com a presença de Standard (Oscar Isaac) marido da sua amada, que sai da prisão!. O mais interessante é que em vez de lutar  por sua felicidade, “Driver” tenta ajudar Standard a dar um futuro melhor para Irene e ao filho do casal. Em uma fuga criminal, onde Standard está envolvido, termina em tragédia, deixando “Driver” numa situação onde suas intenções pesa diante da consequência de sua escolha.

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Dirigido numa estética neo- noir, numa mistura inebriante de tom de cores, ângulos interessantes e ideais naturalistas- brilhante trabalho do diretor Refn e o seu fotografo Newton Thomas Sigel-, “Drive” ainda tem outros grandes triunfos, principalemente na trilha sonora de Cliff Martinez, a qual tem um valor indispensável para a narrativa do filme. O elenco é muito bom, com destaque para Gosling e um irreconhecivel Albert Books, que interpreta o vilão.

Nota 8.5