A história é sobre um rico cirurgião Robert Ledgard (Antonio Banderas), que  mantém uma bela mulher trancada em um dos quartos de sua mansão. Ela é sua prisioneira ou paciente? Quem é essa mulher chamada Vera Cruz ( Elena Anaya)? Qual é sua relação com Ledgard? Por que ela deve ser mantida em uma sala trancada? Com ​​essa premissa firmemente estabelecida, essas perguntas serão respondidas no decorrer do filme.

Atores:
Banderas é enigmaticamente formidável como o cirurgião que se comporta como um homem possuído por suas ambições. E quando suas ambições mudam de direção, ele é ainda mais assustador, mas não é o tipico de cientista louco dos filmes de horror !. Anaya que é uma atriz de beleza hipnótica, nos faz cair de amor e luxúria por sua Vera Cruz. Marilia Paredes é magnífica num papel desafiador, e Jan Cornet faz um belo trabalho como Vicente.

Esse filme é  para quem ?

Creio que se precisa gostar muito do cineasta espanhol para apreciar essa obra. Tecnicamente perfeito – Almodovar e o seu diretor de fotografia, José Luis Alcaine, criam um mundo de um visual vibrante, e Alberto Iglesias compôs uma trilha sonora cheia de cor e escuridão com tons altos e baixos-, a qual é  a melhor coisa do filme como um todo para mim!.

Ao passo que Almodovar vai relevando o mistério em torno da personagem de Anaya, mais eu fiquei desconectado com o filme. Muitos podem levar esse filme a sério, principalmente a quem curte as questões de gênero, associado à feminilidade e masculinidade. De acordo com Judith Butler, sexo é algo objetivamente natural, e, não existe: “a realidade de gênero é performativa”, o que ela quer dizer que gênero é real na medida em que é realizado.” O corpo torna-se seu gênero somente através de uma série de atos que são renovados, revistos, e consolidados através do tempo, e não numa troca de pele. Gostaria de ter visto as duas personagens sendo interpretadas pelo mesmo ator, e quem sabe se isso não me chocaria…se essa era a intenção de Almodovar.

Nota: 7,0

O autor trabalha dois pontos considerados polêmicos por muitos na sociedade do século XXI a homossexualidade e o incesto; na trama notamos que amor transcende todas as barreiras sociais.

A trama no apresenta uma história romântica vivida por Francisco e Thomas que ao longo do filme acabam construindo uma belíssima e amora relação, vivendo uma extraordinária história de amor; regada por muito beijo, erotismo, sexo e prazer.

Como cinéfilo afirmo que amor dos dois vence as barreiras do preconceito e da ficção, pois ao longo do filme sentimos comovidos por este amor que de forma profundamente poética, nos leva ao encontro das fábulas transcritas por inúmeros artistas e poetas que sublime dão vida as sentimentos que os coabitam.

O que é descriminado e desconsiderado na nossa sociedade contemporânea (homossexual) tornasse não mãos de Abranches um contraponto para um mundo cheio de violência, medo, intolerância e etc.

A idéia sintetizada no filme não se resume em simplesmente transtornar o telespectador, mas de fomentar uma discussão sobre as problemáticas que existem e são abafadas ou tratadas como hipocrisia; pelos membros tradicionalistas e cristãos que condenam tudo aquilo que segundo eles, não são aceitos por Deus e pela sociedade que de forma incoerente diz ser sustentada por padrões e normas sociais.

Ousadamente o filme Do Começo ao Fim rompe com as amarras cinematográfica e sociais, levando para os seu público aquilo que sabemos que existe mas que é censurado pela mídia que se diz democrática. Abranches coloca em voga uma das problemáticas mais pertinentes da sociedade contemporânea: a homofobia.

Homofobia é o termo utilizado para nomear qualquer tipo de discriminação e aversão aos homossexuais. No sentido mais profundo da palavra, homofobia ainda significa medo que uma pessoa pode ter de se tornar um homossexual. Dessa forma, pode-se perceber que o termo é um neologismo.

Existem várias ramificações que justificam a homofobia. Algumas pessoas encaram a homofobia como uma manifestação semelhante ao racismo onde as pessoas se limitam às imposições da sociedade e não são abertas ao novo, colocando o nosso eu, como referência e anulamos ou rebaixamos a opinião do outro. Os homossexuais são vistos como o “grande problema do século que contradiz os ensinamentos recebidos pela sociedade, pela família e pela religião”.

Uma pessoa pode até não concordar com a homossexualidade, mas a partir do momento em que um ser humano, independente de sua cor, raça, credo ou sexo, é discriminado por ser homossexual, surge então o ato homofóbico. Atribuem-se a ele a injúria, difamação, gestos e mímicas obscenas, antipatia, ironia, sarcasmo, insinuações e qualquer outra forma de criticar e banalizar o homossexual.

No século XXI a mídia de forma crescente e ao mesmo tempo negativa trabalha a temática gay, pois se esquece de trabalha a mentalidade da sociedade que de forma brutal matam indivíduos semelhantes por causa da sua opção sexual.

Em relação ao medo de se tornar homossexual muitas pessoas tentam o suicídio, tentam mudar sua orientação sexual, possuem baixa auto-estima, comportamento compulsivo, afastamento da família, busca refúgio em substâncias como álcool, drogas e são indivíduos que plantam a desconfiança, autocrítica.

Há uma grande polêmica entre homossexualidade e religião, pois a Bíblia (livro utilizado pelo cristianismo) condena o ato homossexual e isso gera grande revolta nos homossexuais. Ainda existem outros grupos, independentes de religião, que não aceitam os homossexuais e por isso praticam crimes contra os mesmos, perseguindo e matando estes indivíduos.

O filme nos apresenta novos caminhos onde podemos confirmar que tal análise e totalmente etnocêntrica, uma vez que não levam em consideração que a “democracia” não é um “bem universal”; e que os estados islâmicos têm uma forma muito especial de diferenciar a relação entre religião e política, que não pode ser descrita como “fanática” só por que é diferente da nossa realidade. Isso acontece porque a nossa mídia julga esses movimentos religiosos da mesma forma que julgaria se eles fossem “cristãos” e estivessem ocorrendo aqui.

O etnocentrismo existe na medida em que transpomos os nossos conceitos para outros contextos sociais, culturais e pessoais que não vivenciamos.

O filme camufladamente propõe aos homofobicos uma análise profunda, onde civilizadamente possam encontrar nos homossexuais o ser humano. Pessoas que desejam ser feliz e viver plenamente a sua existência, pois acima de tudo eles são seres humanos como qualquer outro.

No concerne da análise notamos que o filme vai além das temáticas que envolvem o “incesto gay”, homofobia, relações familiares; levando os telespectadores a discutirem a respeito do “mito amor” que é muito bem trabalhado por Platão em O Banquete, por que senti repulsa em amar uma pessoa do mesmo sexo?

“Achei o tema que envolve o filme ousado, serve pra mostrar um lado da homossexualidade que não é notado pela sociedade, uma relação de amor entre duas pessoas que passa longe das orgias que é tão taxada na relação gay. Parece mostrar uma outra ótica, mas que não deixa de ser amor e mais leal até que muitos outros relacionamentos ditos normais que existem por aí”, (Thalyta França – acadêmica de Arquitetura e Urbanismo e membro do Coletivo Catraia.)

Em suma, não estou aqui para colocar a questão se ser gay é normal ou não. O que não pode ser aceito é a violência que cresce a cada dia. Eles são seres humanos e desejam como qualquer outro, ser feliz e viver plenamente da sua existência.

Quem sou eu? Amanhã não mais existirão dúvidas, todos saberão que sou eu!

Asas do Desejo é um filme contemplativo, que observa e comenta sobre a vida, a passagem do tempo, a consciência a respeito de si e a descoberta da própria identidade. Em vários momentos, Wim Wenders faz as perguntas que motivam a reflexão provocada pelo filme: “por que eu sou eu e não você? Por que estou aqui e não ali? Onde termina o tempo e onde começa o espaço?”. O filme trabalha com uma linguagem puramente metafísica e tem uma face espiritual evidente, embora trate fundamentalmente da experiência urbana social (e, portanto, humana).

A produção cinematográfica nos leva ao narramos do por que; porque ansiedade, preconceito, sexo, morremos, amor, Deus, céu, anjos. De forma criativa Wenders usou os anjos como metáfora para tecer um poético e sensível estudo sobre a condição humana.

Ricamente Wenders nos mostra que a vida não é aquela festa que esperamos, mas neste mundo de meu Deus, devemos dançar sempre que for possível… Se os dias bons não vier vamos fazer os ruins se tornarem bons. Pois não devemos esperar somente os momentos mágicos, magníficos, precisamos viver a arte da vida de forma plena. Não desperdice a capacidade de ser feliz, de fazer o outro feliz. A felicidade está presente nas coisas mais simples. Viva! O dinheiro não é tudo, ele se estala em suas mãos, mas acaba fugindo por entre os dedos. A juventude passará e junto com ela também a saúde se esgotará. Afinal a vida passará… Por isso viva, pois a vida não é curta, mas breve!

E enquanto a tempestade não passar, o melhor é dançar na chuva e acreditar que os anjos existem.

O filme vislumbra o aspecto solitário da existência humana através dos olhos impassíveis dos anjos. Eles são invisíveis aos humanos, com exceção das crianças; os pequenos são os únicos seres que olham diretamente para os anjos, embora o filme jamais explicite se as crianças são realmente capazes de vê-los. Nesse sentido, Wenders opera uma metáfora fantástica, associando os anjos às crianças. Eles se identificam com elas; são seres puros, inocentes, que começam a descobrir sua identidade. Os adultos mergulhados no turbilhão de problemas do cotidiano, na busca incessante por dinheiro e poder, perdendo a essência fundamental que habita nas crianças.

Gostei muito da essência humana trabalhada no contexto geral do filme, que nos leva para diferentes reflexões da vida, onde precisamos no decorrer da mesma, buscar o anjo que habita em nós (continuamos a perder muitas coisas na vida, pela ausência de coragem).

O filme é incontestavelmente um poema, uma obra-prima, que tem a capacidade de penetrar na “psique” humana. Envolvendo um enredo que visa destacar a vida humana de forma complexamente, não deixando de lado à simplicidade, a origem do ser e a pureza do ser humano na totalidade da palavra.

Como poeta, digo que o filme é uma raridade poética, que transcreve o existir, a vida, a essência humana, o modo como entregamos aos pequenos prazeres do cotidiano, o sorriso bobo, a maneira de caminhar, o olhar perplexo e tudo que nos faz ser seres humanos.

A trama cinematográfica nos leva a um passeio nos mais profundos sentimentos, objetivando um olhar novo dos seus telespectadores; que são envolvidos pela inovação na forma de narrar um poema, de expressar a arte de viver e o ato de compreender a vida.

Afinal, um olhar pode fazer a diferença na vida do outro e até mesmo na nossa própria vida.  Wenders nos leva a uma viagem pra dentro de nós mesmos, um encontro do ser físico profano com o anjo espiritual sagrado que vive em cada um de nós.

É sabido que Terrence Malick é um cineasta como nenhum outro. Para desfrutar dos seus filmes, você não pode seguir uma norma, mas se deixar transportar emocionalmente e visualmente. “A Árvore da Vida” é o filme mais ambicioso do cineasta, e também o mais dificil de se transportar.

Embora visualmente seja um filme de cair o queixo, Malick introduz vários conceitos que nunca realmente se unem. Talvez o Livro de Jó seja o fio contudor, especialmente os versos 38:4-7, no qual Deus está lembrando Jó de seu poder e sua criação os fundamentos da terra a partir do mar para as estrelas. “ A Árvore da Vida” dá testemunho dessa criação, em conjunto com outros elementos do Livro de Jó, em geral, incluindo o questionamento da justiça de Deus, a inocência contra a maldade e o sofrimento humano.

O filme começa com o Sr. e Sra. O’Brien (Brad Pitt e Jessica Chastain) sendo informados da morte de um dos seus três filhos. A natureza de sua morte não é totalmente clara, mas esta é a primeira instância em que a fragilidade da vida é mencionada será revisitada com freqüência. Movendo mais ou menos 40 anos no futuro, nós nos encontramos próximos entre torres de vidro gigantes e a selva de concreto onde se encontra o filho mais velho do casal,  Jack (Sean Penn), agora crescido. É o aniversário da morte de seu irmão e pegamos trechos breves de um telefonema que ele está tendo com seu pai, desculpando-se por coisas do passado e claramente perturbado.

Neste ponto, não temos exatamente um testemunho para a vida, pois, somos logo transportados para a criação do universo: a mudança dos cosmos; os vulcões entram em erupção; e os dinossauros caminham sobre a terra. Depois disso, o filme logo se estabelece, mais uma vez, na vida do casal, 20 anos antes de nossa primeira introdução à medida que entramos em algum momento de suas vidas, os anos 1950. Começamos com visões de sonho de Sr. e Sra. O’Brien, no amor, que então se move para o nascimento de Jack (Hunter McCracken), cuja vida é realmente o cerne de “A Árvore da Vida” mais do que qualquer outro. Jack é logo cercado por dois irmãos (Laramie Eppler e Tye Sheridan), e embora a relação entre esses irmãos desempenha um papel, é o efeito de seu pai tem sobre eles que realmente molda o filme.

Chastain desempenha um papel mais passivo e carinhoso como a senhora O’Brien, e Pitt, faz um pai opressivo, de uma forma perfeita!. Através deste estilo de parentalidade, Jack e seus dois irmãos ficam com medo de seu pai e procuram a mãe pelo amor que desejam, embora o amor de ambos os pais têm para seus filhos é evidente a partir de uma perspectiva parcial. Com isso, a idéia das conversas consistentes que os personagens têm com Deus, em busca de sentido e a razão porque certas coisas acontecem – um empate neste segmento das ações de Jó na cena de abertura como os O’Briens perguntando o porque Deus poderia tirar a vida de sua criança inocente.  É justo?

“A Árvore da Vida” acrescenta muitas camadas, e muitas são fáceis de interpretar, outras você precisara explorar de forma bem profunda. Não é um filme preocupado com a história, e nem com valores, conceitos e idéias, mas mais preocupado com o ser humano de um forma clara que cada um de nós somos ainda como nossos pais.

Todos atores estão perfeitos, especialmente o Pitt. E, a fotografia de Emmanuel Lubezki é apenas a alma do filme!

 Nota 9

O entediado e deprimido diretor Lars von Trier não faz um filme sem surpreender. A sua mais recente obra “Melancholia” é um meio-irmão do apocalíptico  “The Tree of Life” de Terrence Malick. O filme  é sobre o fim do mundo. E, Von Trier parte da instância de felicidade humana: um “feliz” casamento, ou uma recepção de casamento para ser mais específico, o qual é realizado em um castelo luxuoso, onde o cineasta- roteirista traça o significado da total (in) felicidade.

A sequência de abertura, de oito minutos, é um espetaculo aos olhos; e prenuncia a destruição da terra em câmera lenta. Depois isso, encontramos os felizes recém-casados Justine e Michael (Kirsten Dunst e Alexander Skarsgard), ao caminho da recepção de casamento organizada  pela irmã da noiva, Claire (Charlotte Gainsbourg) e seu marido John (Kiefer Sutherland) .

Os pais da noiva (Charlotte Rampling e John Hurt) parecem catalisadores para o clima pesado da festa. A mãe dispara aos recém-casados, “aproveitem enquanto dura.” A partir dessa cena, o sorriso visto no rosto de Justine ( Dunst) ilustra o seu olhar vazio, onde residirá até a duração do filme. O casamento de Justine é esmagado apenas horas depois de dizer “o sim”, e, é não impossivel de notar que a moça é a depressão em forma de gente. Diante do fim do mundo, Von Trier deixa claro a ingenuidade de todos que rodeiam a sua heroina, mais precisamente, Claire, que lamentávelmente como muito de nós, é dominada pela ansiedade -  o medo de enfrentar a realidade, e se deparar com a morte. Mas não seria o medo uma forma de morrer antes da propria morte em si?

A atuação de Dunst é nada menos do que espetacular – vai do olhar ao sorriso vazios, até ao silencio. O restante do elenco é igualmente muito bom, especialmente a Gainsbourg, que tem aqui um desempenho bem melhor do que fez em “Anticristo” (2009).

Embora o filme não seja tão controverso como o “Anticristo”, “Melancholia” estimula questionamentos em relação do porque Justine se casa com Micheal, sabendo que o mesmo não a fara feliz. E, por que ela deixaria a sua festa para urinar no campo de golfe, e depois ter relações sexuais com um estranho?.

Von Trier está certissimo quando disse que esse é um belo filme. Um filme que tem também a capacidade de assombrar a gente por dias, ou semanas, isto, graças a fotografia de Manuel Alberto Claro, e o pessimismo impiedoso do proprio Von Trier. “Melancholia” é mais uma prova que cada um de nós teremos uma percepção diferente ao chegar a conclusão do filme.

 Nota 9

Melancolia é um filme do gênio Lars Von Trier, que cria um ambiente perfeito para um estudo psicológico profundo; um filme para poucos, composto por uma linguagem densa e de difícil compreensão.

A trama conta à história de Justine, personagem de Kirsten Dunst que passa por uma inegável e perigosa confusão mental, variando seus sentimentos a cada minuto de projeção, surgindo uma dúvida que assola o seu espírito e descontrola o seu viver.

O filme de Lars Von Trier é uma verdadeira obra-prima, um trabalho contextualizado nos devaneios da vida humana. No desenrolar da trama cinematográfica deparamos com cenas surpreendentes compostas de brutais colapsos de comportamento, memória e uma depressão escancarada, que já se fazia notar pela passividade da personagem central da cena.

Como ser humano que vive os conflitos do mundo contemporâneo, afirmo que o filme Melancolia é um trabalho cinematográfico que melhor trabalha os comportamentos humanos, podemos percebemos que o mesmo trabalha com pequenas falhas da memória, sinais de depressão, confusão mental, agressividade, devaneio, desequilíbrio emocional e inúmeros comportamentos que compõe o ser humano.

O filme nos obriga a refletir sobre um dos maiores temores e incertezas do homem: como será o fim do mundo? De fato isto acontecerá? Lars Von Trier facilmente choca o telespectador, ao revelar nossa fragilidade perante a natureza e o universo.

Ao analisar o filme cheguei à conclusão de que vivemos a plenitude do nada, de uma existência complexa e dolorosa; onde acreditamos ou desacreditando em uma esperança para reviver o possível amanhã.

Afinal, o mundo é uma plena melancolia de sonhos profundos e complexa ilusão concretizada de uma existência intensa e solitária.

O filme A Árvore da Vida é verdadeiramente uma poesia sobre a vida e a morte, onde um dos três filhos do casal da trama Brad Pitt e Jessica Chastain morrem e com o mais velho, já adulto (e interpretado por Sean Penn), o mesmo busca relembrar a vida em familiar.

O filme relaciona a origem e a magia da vida, o amor, a beleza da natureza e a presença de Deus ou de alguma força superior que nos ajuda a viver. O filme no ensina que a vida não é aquela festa que esperamos, mas neste mundo de meu Deus, devemos dançar sempre que for possível. Se os dias bons não vier vamos fazer os ruins se tornarem bons. Pois não devemos esperar somente os momentos mágicos, magníficos, precisamos viver a arte da vida de forma plena.

Não desperdice a capacidade de ser feliz, de fazer o outro feliz. A felicidade está presente nas coisas mais simples. Precisamos viver a vida. O dinheiro não é tudo, ele se estala em suas mãos, mas acaba fugindo por entre os dedos. A juventude passará e junto com ela também a saúde se esgotará. Afinal a vida passará; por isso viva, pois a vida não é curta, mas breve. E enquanto a tempestade não passa, o melhor é dançar na chuva.

Na minha concepção a produção cinematografia foge da visão trabalhada por diferentes produções anteriores e posteriores, pois a mesma da ênfase a família, a relacionando com o conceito “árvore da vida”, Deus, natureza e universo.

No enredo do filme percebemos que nós não possamos de forasteiros e viajantes nesta existência. Chegamos nus, aos prantos, sem dentes, totalmente indefesos, dependentes de todos e de tudo. Não fossem as mãos habilidosas de pessoas amáveis como nossos pais, não estaria aqui hoje contando e muito menos lendo esta belíssima história.

Chegamos aqui de punhos fechados. Quando, porém nossas mãos se abriram notaram que nada havia dentro. Não trouxemos pagamento para a nossa breve estadia e mesmo assim fomos amados.

No entanto desde o inicio começamos a usufruir tudo que havia neste mundo, nos apegamos ao outro, amos e vivemos plenamente está magnífica existência. Apegamos tanto que não queremos mais deixar de viver e quando perdemos um membro da família ou do nosso círculo de amigos amargamente nos sentimos arrasados e tomados por uma tristeza profundamente dilaceradora.

Para suportar a dor que invade o coração e se alastra pela alma, precisamos do amor de Deus que nos leva ao consolo, da atenção do outro e da compreensão que nos formula como seres.

Nesta viagem terrena precisamos nos afastar das coisas matérias e ter consciência que daqui nós partiremos de mãos abertas demonstrando que nada levaremos, além do amor e da essência vivida que neste percurso estruturou a nossa alma.

Partiremos para um além distante e a mala que levaremos é o coração coloque nele tudo que for melhor para realizar uma bela viagem, não se esqueça que o espaço principal do mesmo deve estar reservado para Deus e para os mais puros sentimentos que possa existir em um ser humano.

Em suma temos consciência que os dias passaram, a vida passará e nós todos morremos e a nossa existência passará como um breve pensamento que paira no ar.

Afinal, o filme é verdadeiramente uma poesia reflexiva.

O filme Longe Dela conta a história de Grant (Gordon Pinsent) e Fiona (Julie Christie) que formam um casal feliz, que tem sua vida abalada quando Fiona apresenta alguns graves sintomas, como perda de memória. Logo vem a confirmação: Fiona está com mal de Alzheimer.

Na minha concepção a produção cinematográfica trabalha com grande ênfase a temática sobre o mal de Alzheimer. No século XXI nos deparamos com este mal que a cada dia cresce mais, a doença de Alzheimer (DA) ou simplesmente Alzheimer é uma doença degenerativa atualmente incurável, mas que possui tratamento. A doença foi detectada pela primeira vez, em 1906, pelo psiquiatra alemão Alois Alzheimer, do qual a doença herdou o nome. O mal de Alzheimer causa demência em pessoas com mais de 60 anos no mundo. Demência é uma disfunção cerebral gradativa e persistente que consiste na deterioração intelectual do indivíduo ao longo do tempo, atacando de forma irreversíveis determinadas regiões do cérebro.

Fiona na trama vivencia as diferentes fases da doença, perdendo a sua memória, apagando a sua identidade. Não diferenciando da realidade, pois que convive com pessoas portadoras deste mal, percebemos que as mesmas apresentam pequenos esquecimentos, sinais de depressão, dificuldades com a linguagem, confusão mental e, algumas vezes, agressividade, e outras características que são descobertas no cotidiano.

O filme nos mostra que os sintomas da doença não são bem elucidados. E o tratamento farmacológico da mesma, bloqueia a evolução da doença, controlando os distúrbios comportamentais, corrigindo o equilíbrio químico do cérebro, promovendo uma  melhora no déficit de memória.

O enredo do filme é algo que encanta os seus telespectadores; mas não podemos esquecer do roteiro, adaptado por Sarah Polley o qual concorrente ao prêmio da Academia, que dá grandes dimensões psicológicas a cada personagem e conduz essa história de forma muito sensível, indo além de uma mera história de amor entre idosos.

O filme em sua essência busca trabalha o sentimento humano que existe dentro de cada um de nós, pra mim o filme foi de extrema emoção. Sarah conseguiu de forma uniforme trabalhar o temor Longe Dela em todos os aspectos que envolvem o contexto do filme.

O filme além de nos envolver emocionalmente, nos conscientiza no sentido que precisamos ficar atentos aos nossos amigos, tios, pais, avós e em nós mesmos no futuro próximo, pois o tratamento precoce atrasa o desenvolvimento da doença, fornecendo a melhora da memória, da qualidade de vida e de convivência do portador com as pessoas que convivem com os mesmos.

Enfim, posso afirmar que a trama cinematográfica é cheia de méritos, conceitos, termos e de um sentimentalismo complexo e tematicamente completo por uma atmosfera que trabalha o conceito amor na sua plenitude verdadeiramente humana.

O filme perpassa a maior parte do enredo na prisão, local onda a trama se desenvolve; levando-nos a um mergulho nesta emocionante história. De forma brutal o filme trabalha com a temática de prisioneiros que caminham em direção ao corredor da morte; homens que recebem a sentença de morte, sendo eletrocutados como punição pelos seus crimes, uma prática citada no filme com uma lei estadual. Mas a realidade da prisão ganha um novo rumo com a prisão injusta de John Coffe, um ser iluminado, que traz uma linguagem totalmente diferente para o contexto do filme.

Como um ser humano analista, digo que o filme é muito rico, mesmo com sua linguagem simples, pois a trama nos mostra que em muitos casos a aparência nem sempre é tudo, assim precisamos olhar para as pessoas além daquilo que vemos através dos olhos físicos. John Coffe representa os inúmeros seres que injustamente são levados para o corredor da morte. Uma morte diária, onde o ser é consumido pelo terror da injustiça. Em muitos momentos podemos confundir por causa da aparência um “anjo com um demônio”.

John a espera de um milagre, sabiamente se manteve calmo, calado, praticando o bem. John não foi beneficio pelo milagre esperado, no entanto através do destino cruel ele deixou a sua marca positiva por onde passou, mesmo dentro da prisão, injustamente condenado John clarividentemente conduziu sua história dentro de um contexto honrado e considerado “belo”. Afinal, o autor do filme buscou trabalhar com a pureza, emoção, fé e com todos os sentimentos mais nobres presentes no ser humano, visando tocar o coração e o mais intimo da alma dos telespectadores.

Um Crime de mestre é diferente de um crime perfeito.

Me parece que a diferença é que um crime de mestre é possível. A Polícia consegue descobrir quem matou, e até o por que matou, mas não sabe como provar por não ter provas.

Já um crime perfeito cometido por um animal imperfeito, me parece impossível; e de fato, é. O homem, como qualquer outro animal, deixa rastros, marcas, impressões, que o denunciam em seus atos, mesmo com uso de luvas etc e tais.

O mestre desse filme é um mestre como ator: Anthony Hopkins! Marido traido por sua esposa decide matá-la. Faz, mata. Consegue burlar todas as provas contra ele, e numa luta entre o bandido e o mocinho, o filme se desenrola de uma maneira muito interessante e até cômica. Convenhamos que o humor de Hopkins não é abalado nunca rsrsrsr. Quem ganha somos nós, fãs de carteirinha.

Uma curiosidade: Hopkins escolheu Ryan Gosling para contracenar com ele tão logo recebeu o roteiro do filme em mãos.

Achei a escolha muito assertiva. Deu muito certo o casamento do protagonista com antagonista. Afinal, a Polícia para alcançar o bandido tem que pensar como ele…