Fui ver “A Fonte das Mulheres” embalada pela expectativa de assistir a uma comédia, no entanto,  é  um filme com momentos de humor e que bom, a abordagem no estilo de fábula agregado ao humor permite que se apreenda a história da comodidade e do machismo humano sem revolta, liberando  nossa capacidade de observação.

 SOCIEDADE                                                                                                                                             A verdade de que a injustiça só é realmente injusta quando nos atinge. O tabu da obrigatoriedade da mulher satisfazer o homem, ainda que ela não tenha orgasmo. A mudança nos papéis sociais que chegam  em caráter de emergência e tornam-se tradições com o respaldo daqueles que passam a se beneficiar. A história leva o nosso olhar para a importância da educação num contexto onde a manutenção da ignorância  de uma parte do povo passa a ser o interesse pela parte dominante, sem que necessariamente  os dominadores deixem de ser ignorantes criando um sistema de  exploração institucionalizada do ser humano, um ciclo que somente a coragem aliada ao preparo,  ao estudo é capaz de romper.

HISTÓRIA

A Fonte das Mulheres vendeu meio milhão de ingressos na França em apenas um mês e foi indicado à Palma de Ouro no último Festival de Cannes, tudo dentro  da trajetória  de sucessos  do diretor, judeu romeno Radu Mihaileanu: “O concerto” (2009) e  ”Trem da vida” (1998). É um filme com uma fotografia linda, belezas exóticas, uma trilha sonora usada como recurso a se admirar uma cultura da qual nos mostra aspectos críticos e performances excelentes. Ficha técnica:

Uma das mais visíveis características do filme “Um homem que grita”, é um paradoxo, centrado no personagem central o filme usa ao longo da projeção o silêncio como um elemento dramático, e o personagem central ao contrário do que imaginávamos é um homem calmo, pacato, e que quase nem abre a boca para falar.

No seu desenvolvimento, percebemos a triste transformação da sua vida, de salva-vidas chefe passar a ser um simples porteiro, e é aí que se encontra o maior triunfo de seu roteiro, na exposição da dualidade de seu personagem. Sempre centrado no desenvolvimento da boa relação pai e filho, o roteiro nunca deixa esse questionamento claro e explícito, ele fica apenas subentendido, guardado, como na triste cena em que o pai assiste o filho sendo capturado pelo exército e este gritando por ajuda e ele não faz nada, permanece dentro do quarto calado, paralisado. O roteiro primeiro desenvolve com habilidade a boa relação de pai e filho entre os personagens centrais, e como essa relação é afetada depois que o pai tem de decidir se o filho vai para guerra ou não, e consequentemente, se vai conseguir seu emprego de volta ou não. Sempre dividido entre ser um pai dedicado e um homem com orgulho, nunca conseguimos ver o personagem central como alguém ruim pelas suas atitudes.

O filme possui cenas de forte impacto, como no momento em que ele está sentado em um banco que costumava sentar com seu filho, e a câmera vai se aproximando lentamente para seu rosto, enquadrando aquele homem desiludido, ou na cena em que sequer tenta ajudar o cachorro vira lata que sempre alimentava quando este é chutado pelo novo cozinheiro.

Um homem que grita é um filme tocante sobre a covardia que mora dentro de nós e sobre o poder devastador que ela tem sobre a nossa vida.

Por Kauan Amora.

Há uma máxima que diz que uma geração aprende o que precisa saber, mas que a seguinte esquece. Deveria ao menos é aproveitar que a anterior tirou as pedras do caminho. Que jogou as cargas inúteis fora. Em “Copacabana” temos a filha como uma pessoa centrada, preocupada demais com o seu futuro. Trabalha num Bistrô. E não está mais achando graça no modo de vida da mãe. Ela seria a “Formiga” dessa Fábula. Seu nome: Esmeralda. Personagem de Lolita Chammah, que embora interprete muito bem, foi eclipsada por quem faz a sua mãe.

A “Cigarra” dessa estória é Babou, a mãe de Esmeralda. Personagem de Isabelle Huppert, dona de um carisma que nos leva a acompanhar essa estória ora sorrindo, ora emocionados, mas sempre com brilho nos olhos. Babou leva a vida a bailar, quase que literalmente. Não está nem ai para as convenções. Se veste e se maqueia de um modo que choca a filha. Além disso, seu comportamento leva a filha a sentir vergonha a ponto de não querer a mãe no seu casamento.

 Mesmo que fosse uma inconsequente, Babou tinha um bom coração. Como também tinha sentimentos, do seu modo, mas tinha. Assim, se o que a prendia ali, era o estar junto à filha, com essa decepção Babou aceita um emprego numa cidade litorânea na Bélgica. Mesmo para um lugar com apenas dois meses de Sol, ela faria dali a sua Copacabana. Seu intuito seria juntar dinheiro para um dia conhecer o Brasil. Que na visão dela era uma terra com um povo amistoso, que recebia a todos sem preconceito. Tal como ela: sem medo de ser feliz! Um lugar multicolorido por natureza. Eu até prefiro que isso que fique na cabeça de quem não conheça de fato o Brasil. Numa comparação mais simples, e sem preconceito, seria a visão do paulista em relação ao carioca. É bem melhor do que ver sendo difundido o país como paraíso dos fora-da-lei, por exemplo. Dai, vi como carinhoso toda a referência do Brasil no contexto da estória. Na visão de Babou.

Em Oostende, tenta fazer amizade com os novos colegas, mas a eles, ela também os assusta. O que até fez bem a ela, pois assim conheceu e fez amizades com alguns moradores. Por uma, ganhou a dica de onde conseguiria possíveis compradores para os apartamentos a serem vendidos. Um jeito novo de ter um imóvel extra, para períodos de férias em outros países, por exemplo. São os Timeshares. Cada proprietário teria o imóvel num terminado período do ano. Num prédio imenso, com algumas unidades já quase prontas, tinham pressa nas vendas para terminarem as demais. Babou até consegue se dar bem sendo a sua vez de ser uma formiguinha-trabalhadeira, mas…

Para quem gosta de conhecer de perto uma relação entre mãe e filha, vai se encantar com esse filme. Além de que, temos em “Copacabana” a ora e a vez da Cigarra mostrar a Formiga que o que se leva dessa vida, é a vida que se leva! Que a verdadeira mudança está em si mesmo, e não contar que o outro é que deva mudar. Aceitar as diferenças. Bravo Babou!

Por: Valéria Miguez (LELLA).

Copacabana (Copacabana. 2010). França / Bélgica. Direção e Roteiro: Marc Fitoussi. +Elenco. Gênero: Comédia. Duração: 107 minutos. Classificação etária: 14 anos.

O sugestivo titulo nacional O Seqüestro de um Herói, com certeza, faz alusão a determinado momento da trajetória de Stanilas Graff (Yvan Attal), presidente de uma influente indústria francesa, que almoça com o presidente da nação, negocia com lideres mundiais, joga pôquer com artistas famosos, é casado e tem duas filhas, mas antes de ir para casa sempre visita a amante. Um dia, antes de ir para o trabalho, Stanilas é seqüestrado por uma quadrilha que exige que seja pago 50 milhões de Euros de resgate. O seqüestro desencadeia uma investigação jornalística que joga todo o mau comportamento de Stanilas no ventilador, desde incontáveis dividas no jogo, até as inúmeras amantes que o empresário possui. Aparentemente falido, Stanilas se vê na mão dos impiedosos e profissionais seqüestradores, que não acreditam que ele não detenha a quantia e estão dispostos a tudo para receber o pagamento, até mesmo cortar partes do corpo do industrial. Enquanto isso, André Peyrac (André Marcon), líder do conselho fiscal, parece manipular a família e o conselho para que Stanilas seja destituído do poder.

Inegavelmente, O Seqüestro de um Herói, dirigido e roteirizado pelo também ator Lucas Belvaux, tem toda pinta de trilher no seu prólogo, até pela enervante seqüência em que os seqüestradores cortam um dos dedos de Stanilas, mas o filme vai perdendo o seu ritmo de suspense durante a exibição, tornando – se um drama que trata do impacto que o seqüestro tem na vida do industrial e dos que o rodeiam. Na verdade, a obra de Belvaux se divide em dois atos, o primeiro bem suspense, marcado por uma excelente trilha sonora, com cenas escuras e de tom violento; no segundo ato, a trama trata mais do desenrolar dos fatos relativos ao seqüestro, em um bem desenvolvido drama familiar, com certas nuances politicas que não vou citar para não estragar o prazer de quem se predispor a assistir. O ator Yvan Attalentrega uma boa atuação, marcada pelo sofrimento que seu personagem sofre no cárcere.

Postado por Celo Silva, do Blog: Um Ano em 365 Filmes.

É uma história que celebra a coragem de um garoto que era diferente dos outros companheiros de sua aldeia. Um menino bem precoce, perspicaz, astucioso, e muito amigo de sua mãe, que nasce falando, ou melhor, já fala dentro da barriga da mãe! Muito esperto e ativo, logo que vem ao mundo já entende que precisa fazer algo para salvar as pessoas da vila em que vive.

O diálogo cultural africano, travado na obra Kirikú e a Feiticeira, de Michel Ocelot, pode ser interpretado numa dimensão mais ampla, no tempo e no espaço, estendendo-se até nossos dias e a todos os continentes. Nas personagens principais, podemos observar as conseqüências dos atos masculinos incutidos nas mulheres. Temos duas visões divergentes (da mãe de Kiriku e da feiticeira Karabá) que, porém, apontam para o mesmo objetivo: a afirmação feminina enquanto indivíduo livre e independente.

O filme visa descrever o papel da mulher na sociedade africana; podemos ver claramente tal ideia no momento em que a criança nasce e a mãe ordena que ele se lave sozinho, mostrando que o “Herói”, para sê-lo, precisa ser independente. A própria independência que ela adquirira, mesmo fazendo parte de uma sociedade com papéis estritamente bem definidos entre o homem e a mulher.

Considerando a visão de Michelle Perrot, em sua obra “Les femmes et les silences de l’Histoire”, observamos que a História das mulheres foi sempre contada sob o ponto de vista do homem. O que se tem de menos influenciada é a oralidade privada, domínio em que as mulheres sempre puderam interferir e o fizeram de maneira marcante junto aos filhos e às crianças em geral. “A memória das mulheres é verbo. Ela está ligada à oralidade das sociedades tradicionais que lhes confiavam à missão de narradoras da comunidade do vilarejo.” (PERROT, 1998, p. 17).

No contexto do filme podemos observar que o autor da vida e grande importância no papel da mulher em meio não só a sociedade africana, mas todas as sociedades existentes.

A cultura local é retratada sem retoques, deixando de lado o etnocentrismo, os preconceitos e as culturas ocidentais, é bom, porque traz realismo à história e veracidade aos fatos. Ao estudar tal conceito podemos compreender que é uma característica de quem só reconhece a legitimidade e validade das normas e valores vigentes na sua própria cultura ou sociedade. Tem sua origem na tendência de julgarmos as realidades culturais de outros povos a partir dos nossos padrões culturais. Pelo que não é de admirar que consideremos o nosso modo de vida como preferível e superior a todos os outros.

Os valores da sociedade a que pertencemos em muitos momentos são declarados como valores universalizáveis aplicados a todos os homens, ou seja, dada a sua “superioridade” tal modelo deve ser seguido por todas as outras sociedades. Adaptando está perspectiva não é de estranhar que alguns povos tendem a intitularem-se os únicos com legítimos e verdadeiros representantes da espécie humana.

O conceito etnocêntrico está envolvido com a grande estranheza que se dá no encontro do grupo “eu” e o grupo do “outro” que utilizam como referências e características algo como exótico, excêntrico, anormal, exuberante e primitivo. Iniciando a formação de preconceitos, manipulações ideológicas, julgamentos precipitados e sérias distorções culturais, comportamentais e educacionais.

Mas a defesa legítima da diversidade cultura conduziu, contudo muitos antropólogos atuais a enxergarem a diversidade das culturas e das sociedades. Kirikú e a Feiticeira é um grande exemplo na nossa contemporaneidade, pois visa quebra de forma simples, mas muito bem feito, e bastante divertido os preconceitos, ou seja, o etnocentrismo e o machismo embatido nas diversas sociedades. Para quem está acostumado com nossos desenhos infantis ocidentais, pode parecer até um pouquinho estranho.

Ao trabalhar tal perspectiva devemos nos remeter á questão do misticismo, algo complexo em meio à construção da mentalidade africana. Amadou em sua obra “Amkoullel, o menino fula de Amadou Hampâté-Bâ”, trabalha com clarividência, á questão mística e religiosa, enfrentando dualidades constantes, pois recebeu como herança a religião africana da mãe e mulçumana do pai.

No filme percebemos de forma precisa o poder matriarcal, pois a mãe em meio à construção dos processos sócios culturais é considerada de extrema importância nas decisões tomadas pelos homens.

Porém para tornar possível a permanência da cultura e da memória africana, os griots contavam a história e os anciãos eram fundamentais na transferência do conhecimento, da sabedoria e dos ritos de seus ancestrais.

Amadou nos deixa claro em sua narrativa que os griots deveriam trabalhar com a verdade “absoluta”, pois eles tinham como missão transferir esse saber para a juventude africana, como objetivo de não perder a história. Trabalho que traz à tona a fusão entre memória e oralidade com relação ao poder da palavra na África. A palavra tinha o poder de levar o conhecimento e ao mesmo tempo acarretava ali o poder de amaldiçoar toda uma geração. Portanto, notamos em meio à análise que a oralidade é de extrema importância para concretização dos saberes de um povo anterior que antecederia a gerações futuras.

Assim fica claro que o trabalho da memória e da oralidade se funde como algo primordial na cultura do povo africano. Tornando vivo as representações do imaginário que envolve todo um proceder sócio cultural em relação há um procedimento historiográfico amplo, diversificado e complexo com relação à linguagem, os dialetos, os ritos, a cultura e a religiosidade que se mistura em meio há uma dialética que permanece viva na memória dos anciãos e na oralidade dos griots.

Em suma, podemos concluir que as mulheres tiveram um papel fundamental durante todo o filme e, sobretudo, no início e no final da narração, fazendo com que as ações fossem, sutilmente, propiciadas por elas. Mãe e feiticeira corroboraram para o segmento de uma e da outra, dando sentido para a trama cinematográfico. Kiriku foi um apêndice, ou seja, o laço entre as duas e foi isso que o transformou Kiriku em “Herói”. Ele sabiamente ouviu os conselhos da matriarca, absorveu as histórias contas pelos anciões e com sua astúcia “conquistou” Karabá, libertando todos os homens das garras da feiticeira.

Kirikú e a Feiticeira (Kirikou et la Sorcière. 1998). França / Bélgica / Luxemburgo. Direção e Roteiro: Michel Ocelot. Vozes/Cast. Gênero: Animação, Aventura, Família. Duração: 74 minutos.

“Cópia Fiel” é um filme com roteiro instigante, do iraniano Abbas Kiarostami, diretor do ótimo e premiadíssimo “Gosto de Cereja” e de  “Dez”. Cópia Fiel é o seu primeiro longa rodado fora de seu país, sendo atores e ambientes de múltiplas nacionalidades, inclusive o tema abordado no qual não há fronteiras entre origens e línguas, sem dúvida, todos os povos se reconhecerão.

É a história do escritor inglês James Miller (William Shimell) que vai para uma cidade italiana lançar o seu livro sob o título de Cópia Fiel. Entre os convidados no momento do lançamento está Elle (Juliette Binoche) dona de uma galeria de arte que se senta na primeira fila ao lado do tradutor do livro e ambos mantêm um diálogo íntimo, ao pé do ouvido, transformando o célebre momento em conversas paralelas, ora mostrando o casal, ora o escritor em sua explanação e logo a seguir a entrada de um garoto (Adrian Moore) que a cumprimenta e depois vai se encostar em um dos cantos do salão e de lá começa um diálogo não-verbal com a sua mãe.

Elle deixa um cartão com o tradutor para que ele entregue ao escritor e se retira com seu filho bem antes do término desse evento.

Na verdade, o assunto instigante do filme é a própria idéia contida no livro recém-lançado, que vai tratar do valor da cópia em relação a um original. A partir daí tudo é uma viagem entre a obra cinematográfica e o expectador. O próprio Kiarostami deixa isso claro, justificando que a interpretação é livre. E o filme  transforma-se em um passeio entre o casal que na realidade parece se tratar de dois estranhos, e que podem ou não querer se conhecer.

Esse filme me conduziu a algumas viagens: lembrei-me do filme de Eduardo Coutinho o “Jogo de Cena” que já falei aqui em outra ocasião, quando o momento é mera encenação ou é fato, atores e anônimos transitando neste filme brasileiro declamando o mesmo texto, e ficamos sem saber quando é real e quando é apenas interpretação, como diz o próprio título ‘jogo de cena’. Lembrei-me também do polêmico diretor Orson Welles no maravilhoso filme “F for Fake” (aqui traduzido por Verdades e Mentiras). Cópia Fiel de Kiarostami e Verdades e Mentiras de Welles, são cópias fieis da ilusão, e ótima invenção. Na verdade o próprio cinema é pura invenção, o filme é imaginação onde nosso cérebro faz com que imagens paradas aparentem estar em movimento. O expectador faz parte desse jogo de cena que dura menos de duas horas.

O escritor diz que tudo é cópia da cópia e mesmo assim tem seu valor como o original. O homem é cópia da cópia do DNA dos pais dos pais de alguém. Andy Warhol deu nova roupagem ao produto Coca-Cola; repetimos frases e discursos que acreditamos ser nossos originais e que alguém já deve ter dito há milhares de anos antes.

O próprio filme que assistimos ou no cinema ou em casa é cópia fiel de um original. Orson Weles ficou famoso aos 23 anos de idade quando em 1938, transmitiu em cadeia de rádio nos EUA sua versão de Guerra dos Mundos e provocou pânico na população que achava se tratar de invasão alienígenas. Muitas obras de arte nos museus são cópias bem feitas de seus respectivos originais; muitos textos literários de autores anônimos passam tranquilamente dados como de grandes autores, Luiz Fernando Veríssimo que o diga; Elmir de Hory, famoso falsificador de quadros pintou telas que juramos ser da autoria de Van Gogh, Picasso, Matisse e muitos outros.

Já no desfecho deste filme Cópia Fiel, o escritor e Elle, passam tranquilamente a idéia de um casal que após 15 anos de casamento resolvem fazer uma segunda lua de mel. Quem não acreditaria nisso? Eu fiquei na dúvida. A obra de arte da sua essência à criação sempre foi reproduzível. Tudo o que fazemos pode ser imitado e copiado.

Mas de fato, existe Cópia Fiel? Uma foto é reprodução de outra foto, assim como irmãos gêmeos: olhe atentamente e diga se essas meras reproduções são cópias autênticas. Na segunda metade do filme o casal que parecia ser dois estranhos ganha intimidade, assumindo papel de marido e mulher, trazendo à tona muitas lembranças mútuas de sentimentos e emoções desgastados pelo tempo, por anos de matrimônio e vida em comum. Verdadeiro ou falso? Cópia ou original?

O essencial na arte e na vida é como fazer para incorporar aos anseios aquilo que será fiel ao nosso modo de sentir pensar e gostar, ao nosso relacionamento amoroso, a fidelidade no amor. Cópia Fiel toca em vários temas relevantes, principalmente sobre o que realmente é autêntico, relativo ou absoluto; real ou cópia.

E sempre o que se quer e se procura é ser fiel no amor, na vida, no sonho, no jeito de ser. Uma obra de arte única, original e exclusiva.

Vale a pena conferir este novo original de Kiarostami. Esse meu texto nada tem de original; é cópia da minha interpretação desse delicioso filme.

Recomendo. Veja cópia deste original de preferência num telão.
Karenina Rostov

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Copie Conforme

França / Itália , 2010 – 106 minutos

Drama

Direção: Abbas Kiarostami

Roteiro: Abbas Kiarostami

Elenco: Juliette Binoche, William Shimell, Adrian Moore

Geralmente os filmes que retratam episódios de bullying são, simultaneamente, revoltantes, chocantes e emocionantes. Sempre torcemos para que a coisa acabe bem e no fim o que é resta é mais uma tragédia. O bullying, assim como a Segunda Guerra Mundial, gera diversos materiais para o mundo das artes, seja na literatura, no teatro ou no cinema, afinal é tanta história para contar, e todas tão cruéis – ao mesmo tempo que são belas – que parece que por mais que se fale nunca é o suficiente e sempre nos surpreendemos.

Foi assim com o espetacular Klass, que refez o episódio conhecido como “O Massacre de Columbine” – a mais famosa consequência de um caso de bullying, e com o emocionante Ondskan. Agora resenho para vocês o holandês Ben X – mais um que segue a mesma fórmula: um adolescente constantemente violentado moralmente numa escola cujo o desfecho não é dos mais alegres.

Ben é um jovem com um leve nível de autismo, que é o suficiente para deixá-lo com as notas mais altas da escola e com uma dificuldade de socializar com os seus colegas. Ben não sabe – não consegue – responder questões simples ou mesmo manter um breve diálogo. Na verdade, ele nem ao menos consegue expressar uma frase completa. Ele é o modelo ideal para ser vítima dos baderneiros de sua classe, graças ao sistema competitivo e desumano que ensinamos aos nossos filhos desde o primeiro dia que ele vem ao mundo: “você deve ser o melhor”.

Ben só consegue ter o controle da situação quando está em frente ao computador jogando o RPG OnLine ArchLord. No universo do jogo, lá ele é visto com respeito por toda a comunidade, afinal é um dos mais poderosos, tem uma grande admiradora – que acaba por se tornar sua grande paixão – que jamais conheceu no mundo real. Ou seja, a vida para ele acontece no virtual. No mundo de faz-de-conta proposto pelo jogo, ele está em âmbito superior. Lá ele rege a sinfônia e sabe como lidar com qualquer coisa que apareça. Em contrapartida, fora das telas ele não é ninguém. Porém nem esta invisibilidade irá deixá-lo em paz. Como figura atormentada, alguns de seus colegas aproveitam deste quadro para lhe torturar.

Para Ben, a salvação está sempre no jogo. Então ele estabelece paralelos entre o mundo real e o mundo virtual para tentar entender as coisas. Logo, observa as coisas similares entre ambos os universos e percebe que é hora de jogar a última partida da vida. Durante todos os momentos, o que irá lhe ajudar a suportar seus medos será a figura de sua paixão virtual, que até propõe um encontro na vida real para Ben. Porém, inseguro, ele até se encaminha para o local combinado, mas não consegue se aproximar da garota.

Então Ben irá criar toda uma fantasia no mundo real, como se fosse um jogo, para triunfalmente chegar até o fim da partida. O que vemos a seguir é um espetáculo de imagens, numa poesia visual extremamente bela. Finalmente ele chega num consenso de como ele gostaria de que as coisas fossem e consegue vivenciar cada momento até chegar ao fim. O virtual se confunde com o real e o imaginário.

Plenamente satisfeito, Ben finalmente está feliz. Tomado as palavras de Alvares de Azevedo, poeta brasileiro, é como se dissesse “deixo a vida como quem deixa o tédio”. Se suícida. O bullying tem uma nova vítima.

Game over.

O diretor e roteirista Nic Balthazar, disse que ele se inspirou num fato real para fazer o filme, quando em uma cidadezinha, leu em um daqueles jornais de bairro, a respeito um jovem de 17 anos com síndrome de Asperger que havia se arremessado de um castelo graças a pressão exercida pelos praticadores de bullying (conforme carta escrita por ele). Isto fez com que ele ficasse chocado e retratasse a história através do cinema. É um triste, porém, bonito filme num gênero que sempre faz com que pensamos nos nossos atos e neste mundo tão cruél.

Por: EvAnDrO vEnAnCiO.   Blog: EvAnDrO vEnAnCiO / Universo Hiper-Real.

E aí que fomos assistir Os Mosconautas – No Mundo da Lua (Fly Me To The Moon). Teoricamente o filme é infantil, mas como trata-se de uma animação digital (e das boas!!!) consegue prender mais a atenção dos adultos do que das crianças – o que ficou claramente comprovado após a inquietação de minha filha nos primeiros 20 minutos de filme. Embora ela (só) tenha quase três anos, é apaixonada por filmes e capaz de assistir a trilogia de Shrek seguida, sem piscar!

A história, que se passa na década de 60, narra a saga de três mosquinhas muito amigas (Nat, Scooter e Q.I) que entram para a história das moscas ao pegar carona na nave Apollo XI, com destino à lua. Em meio ao turbilhão de acontecimentos, é possível dar boas gargalhadas com as trapalhadas entre os amiguinhos e seus familiares, além das adoráveis e engraçadas larvas-bebês (!!!).

Infelizmente assistir filme com crianças faz com que tenhamos limitações, e uma delas foi o fato de termos assistido ao filme em uma sala de projeção comum. Por isso, não pudemos vivenciar o melhor dele: a realidade dos acontecimentos. E, sem utilizar os óculos 3D, facilmente percebemos que falta algo pois muitas cenas exploram a profundidade e os detalhes dos acontecimentos! Quero ter a oportunidade de rever o filme numa sala apropriada para essa tecnologia, pois preciso assistir novamente a cena em que uma das mosquinhas está presa num tubo de ensaio que, após uma balançada da nave, acaba flutuando dentro da nave espacial para em seguida chocar-se com outro objeto e quebrar. Os estilhaços de vidro são espalhados com muita rapidez na tela e você (espectador) tem a sensação de que precisa livrar-se deles.

É um filme interessante, engraçado, com uma temática real (menos a parte de que as moscas foram a Lua, né?) e que vale tanto para levar filhos e sobrinhos, como por diversão própria. Fica a dica!

Ps: A única coisa que não gostei no filme foi o diretor Ben Stassen inserir uma imagem do astronauta Buzz Aldrin, logo após o término do filme, explicando que tudo aquilo que assistimos durante quase uma hora e meia, era mentira! Já imaginaram a cara de decepção das crianças ao verem tal declaração, após se divertir e sonhar tanto? Tudo bem que Stassen pode ter ficado preocupado em “ensinar” algo errado, através da história da saga das moscas à Lua, mas ele não precisa levar a auto-crítica tão a sério.

Por: Viviane Alves – Recife/PE. Blog: Uma Pessoa Comum.

Os Mosconautas – No Mundo da Lua (Fly Me To The Moon). 2008. Bélgica. Direção: Ben Stassen. Elenco – Voz: Tim Curry, Christopher Lloyd, Ed Begley Jr. Gênero: Animação, Aventura. Duração: 84 minutos.

Um filme imperdível! Principalmente por abordar o Bullying. Mostrando o quão perverso são aqueles que praticam. O trote escolar também aflora certos desvios de conduta em certas pessoas, mas não sei se posso dizer que isso, de ser executado num período curto, seria um atenuante para não colocar no mesmo patamar do outro. Já que a prática do bullying perdura por todo o período letivo, e pior, por vezes, por anos após anos. E foi o que aconteceu com o protagonista dessa história.

Quem seriam esses que sentem prazer em praticar tais atos?

Esse filme, “Ben X – A Fase Final“, é mais um a nos mostrar que à eles, a punição é quase um passar a mão na cabeça do malfeitor. Nem para um tratamento psiquiátrico, são conduzidos. Mesmo sendo figurinhas carimbadas na Diretoria do Colégio. Affe!

Agora, e quanto às vítimas?

À elas, além de sofrerem horrores nas mãos dos delinqüentes, muita das vezes, ainda são discriminados pela sociedade, pelo grupo, ou mesmo pelos dirigentes das entidades onde sofrem as agressões. Nesse filme, o Diretor diz que prepara os jovens para o mundo lá fora… Numa de que fazem vista grossa para os valentões. Seria numa alusão a cadeia alimentar da natureza? Onde só os fortes sobrevivem? Ou, o que é pior, de os usarem para ver se assim se vêem livres desses ‘diferentes’.

Ben (Greg Timmermans) cresceu passando por maus pedaços nas mãos dos colegas de classe. Por verem nele, alguém diferente. Como se isso fosse crime. Seu problema fora diagnosticado de fato já quase nessa fase atual da história: Síndrome de Asperger. Um tipo de Autismo mais leve. Suas notas são altas. Mas… além de travar uma luta de sobrevivência consigo próprio, devido a sua doença, tem que tentar sobreviver as agressões dos colegas de classe. E desde os primeiros anos escolares.

Até então, se deixava levar pelo mundo da virtualidade de um jogo, o AchLord. Era a sua válvula de escape. Ali ele era invencível, se sentia forte e integrado. Ou quase, já que preferiu jogar (online) com uma única pessoa. Ela era sua princesa, sua heroína, sua companheira, e porque não, sua única amiga, Scarlite (Laura Verlinden), mesmo que só no mundo virtual.

Mas se no jogo ele chegou na fase final… no mundo real, ele atingira o seu limite…

Bem, minhas lágrimas jorraram no final. Assistam! Contar mais, embora fico tentada, tiraria a surpresa de toda essa história. E que é muito bem contada. Um filme perfeito em tudo. Além de uma trilha musical lindíssima! Nota máxima geral!

Por: Valéria Miguez (LELLA).

Ben X – A Fase Final (Ben X). 2007. Bélgica. Direção e Roteiro: Nic Balthazar. Elenco: Greg Timmermans, Laura Verlinden, Marijke Pinoy, Pol Goossen. Gênero: Drama. Duração: 93 minutos.