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Olá, pessoal. Hoje farei uma crítica que já planejo há um bom tempo, entretanto preferi esperar para que o filme estreasse nos cinemas brasileiros para que as pessoas que lessem tivessem a oportunidade de assistir. Quem leu meu post sobre Adaptações Cinematográficas de Livros deve lembrar que citei esse filme como sendo uma das adaptações mais diferentes que já assisti. Quando digo diferente não é no sentido de não haver fidelidade para com o livro, e sim do longa não ofender o romance, mas apresentar uma visão bastante particular da trama. Taxado como polêmico, assustador e surpreendente. “Precisamos Falar Sobre o Kevin está chocando o público, vocês devem estar perguntando o porquê disso. E é simplesmente por que tudo aquilo é algo bastante realista e não há nada mais assustador no cinema do que nós acreditarmos que aquilo mostrado nas telas pode acontecer na realidade. O relacionamento de amor e ódio de uma mãe com o filho, possivelmente, psicopata é algo que realmente instiga as pessoas. Numa das cenas geniais, Kevin comenta em tv aberta o fato do público televisivo dar tanta atenção aos psicopatas, afinal será mesmo que as pessoas não gostam de ouvir esse tipo de coisa? essa é uma das sugestões polêmicas que a história coloca.

Best-Seller de Lionel Shriver

O livro de Lionel Shriver foi recusado por muitas editoras e quando finalmente foi aceito, virou sucesso. A trama acompanha a história de uma mãe, Eva (Tilda Swinton), que sofre as conseqüências dos atos de seu filho Kevin (Ezra Miller), já preso por cometer uma chacina na escola. Como se não bastasse ser julgada e perder todo o dinheiro no tribunal, acusada de negligência materna, Eva tem que suportar diariamente o preconceito nas ruas, as pessoas acreditam que a revolta do rapaz possa ter vindo de falhas maternas. Então ela faz uma recapitulação, narrando tudo para Franklin (John C. Reilly), seu marido que a deixou levando a filha pequena. A partir daí acompanhamos do nascimento de Kevin até a data do massacre, sempre alternando entre o presente e as memórias de Eva. Quando tudo começa, ficamos espantados com a relação entre os dois. Kevin não era uma criança fácil e sempre fez questão de expôr sua natureza fria utilizando a mãe como alvo. Eva também não fica muito atrás, seus pensamentos de raiva pelo menino nos deixam na dúvida se realmente seus atos influenciaram no que Kevin se tornou. E é aí que surgem nossas dúvidas. Por que Kevin fez aquilo? Será que sua monstruosidade é justificável pelo elo fraco com a mãe? Eva é ou não culpada? Kevin sempre foi psicopata? Eva estaria paranóica desde que a criança nasceu ou é verdade que o tempo todo notara as inclinações assassinas do filho?

Momentos tensos

As respostas para as perguntas acima são bastante relativas, o que faz com que cada pessoa saia da sala de cinema com um filme diferente na cabeça. Acredito que a monstruosidade do rapaz seja tamanha que ficará bastante constrangedor para alguém defendê-lo, no livro até o advogado se sente desconfortável pela reação de Eva. Ela tenta “permanecer de pé”, evita chorar na frente dos outros, o que faz com que a maioria pense que é uma mulher fria. Eva guarda a culpa para si mesma, o que torna tudo tão doloroso. Ela sente que precisa ser castigada pelo que seu filho fez, por isso não se zanga com a reação violenta das pessoas. Cabe a nós sabermos se ela realmente influenciou.  Quando chegamos ao final da trama, temos uma revelação que mudará todo o jogo. O assustador final é inevitável e alerto para que as pessoas estejam preparadas para a indignação.

Falando em indignação, estou profundamente decepcionado com a Academia do Oscar que não indicou Tilda Swinton como Melhor Atriz, mas indicou Rooney Mara. Não que a novata não mostre talento, mas quem assiste a “Precisamos Falar Sobre o Kevin” sabe muito bem que aquele talvez tenha sido o papel da vida de Tilda. Ela se entregou completamente para o papel, não assisti a nenhuma atuação tão surpreendente durante todo o ano. Logo é natural que a credibilidade do Oscar caia no meu conceito. John C. Reilly não tem quase nada a ver com a aparência do Franklin do livro. Apesar dele não ter muitos diálogos, só sua imagem é suficiente para o associarmos com um pai preocupado e que tenta simplesmente acreditar que seu filho é normal. Kevin se transforma na presença do pai, o que faz com que Eva sempre seja julgada como exagerada pelo marido.

A água como a vida aparentemente calma de Eva, até Kevin acabar com tudo com apenas um toque.

Ezra Miller parece que vem se preparando involuntariamente para Kevin através de outros papéis. Após interpretar um garoto com possíveis tendências psicopatas em outro filme de Cannes (Depois das Aulas), o jovem agora pode ser conhecido como o bad boy de Hollywood. A participação de Ezra como Kevin não é longa, porém marcante. Quem rouba a cena como Kevin é o ator mirim Jasper Newell, que provavelmente conseguiu a proeza de despertar a vontade de todas as mães, na platéia, de lhe dar uma bela surra.

Ela percebeu as tendências do filho desde o princípio

O defeito do filme é em alguns momentos deixar escapar a semelhança de Kevin com outros monstrinhos do cinema. É inevitável não lembrar de Damien de A Profecia. A diferença de Kevin para Damien é que o filho de Eva é praticamente uma abordagem nova sobre a psicopatia. Se em A Profecia, o menino não tinha um bom elo com a mãe por ser o anticristo, em Kevin a situação é explorada sem receio. A realidade é que muitas mães sofrem por não conseguirem ter uma boa ligação com seus filhos (exemplo disso é a depressão pós-parto), isso sempre foi visto de maneira assustadora pela sociedade, mas é algo que acontece. Em A Profecia, isso foi transformado numa fantasia onde a desculpa pela falta de vínculo materno ocorre pela criança não ser o filho verdadeiro do casal e, sim, do diabo. O que torna “Precisamos Falar Sobre o Kevin” tão assustador é justamente o fato de não haver fantasias. Kevin não é adotado e não é o anticristo. Eva teve muita dificuldade em gostar da criança no princípio, porque para ela aquele bebê significava a perda da independência. Nós sabemos que a criança sente quando isso acontece, o problema é a reação de Kevin. Quando a mãe tenta se aproximar dele, ele sempre recua e não deixa uma oportunidade de machucar a mãe passar em branco.

Eva imaginando o afogamento do filho

Há uma situação que talvez alguns não entendam completamente no filme, porém que fica bastante claro no livro. A cena em que Eva quebra o braço de Kevin num acesso de fúria pelo que o menino faz. O menino estava com um leve sorriso no rosto quando isso aconteceu. Kevin não contou para ninguém o feito da mãe. O que nos deixa intrigados é o porquê dele fazer isso. Ao mesmo tempo que Kevin mantém segredo, ele utiliza isso como arma para “aprontar” sem que a mãe o delate, senão ele conta sobre o braço. Mas, como todas as atitudes de Kevin têm dois lados da moeda. É possível também que ele não tenha contado para ninguém porque, como Eva cita no livro, aquele foi o único momento em que ele pôde se identificar com a mãe, pois se sua natureza era violenta ele buscava alguém com quem se identificar, e é terrível sua alegria quando a mãe demonstra raiva. Parece uma maneira de “atiçar” Eva como desculpa para também ver o lado obscuro de outra pessoa. Em uma das partes do livro, Kevin na escolinha convence uma menina com doença de pele a descascar a pele ruim (até sair sangue), como se desejasse libertá-la daquele incômodo ou fazê-la se machucar. Não há limites para as crueldades do menino até a adolescência, poucos notam sua verdadeira face, mas suas atitudes sempre possuem duas possibilidades. E o mesmo jamais demonstra culpa.

Kevin sente culpa?

Sobre o conteúdo, não é fácil para algumas pessoas ler os diálogos cruéis do livro. Por isso algumas coisas foram suavizadas no filme. Um exemplo são as visitas de Eva a Kevin, onde no romance há uma troca de farpas de deixar qualquer pessoa horrorizada com tamanha crueldade do filho e as respostas terríveis da mãe. No longa isso não aconteceu, deixando o silêncio tomar conta das cenas como uma forma de expressar a dificuldade que Eva possui ao ter de visitar o filho. No final da leitura e da projeção percebemos o porquê dela odiar o filho em tantos momentos. Mas não se assuste, você (leitor dessa crítica). Apesar do filme revelar que não há limites para a crueldade humana, também coloca a ausência de barreiras para o amor de uma mãe. Eva continua vendo Kevin porque ainda tem a esperança de que um filho que a ama esteja ali dentro. “Precisamos Falar Sobre o Kevin” prova isso da maneira mais realista possível. Enquanto assistimos a esse filme é importante ficar claro a quantidade de mulheres que estão passando por esse sofrimento de culpa ao presenciar a prisão do filho. A verdadeira pergunta que deixo aqui é: Será justo julgá-las sempre negativamente?

Tilda Swinton na cena mais emocionante, a da descoberta. Digna de Oscar.

“O Espião que Sabia Demais” é literalmente uma tradução do livro de John le Carre, o qual foi anteriormente adaptado em uma bem respeitada minissérie da BBC de seis horas de duração em 1979, com Alec Guinness. O talentoso diretor Tomas Alfredson cortou as seis horas da minissérie e fez um filme de apenas 2 horas, mas ainda assim, achei o filme extremamente longo, e confuso.

Para quem é? 

Para quem gosta de filme de espionagem, “Tinker Tailor Soldier Spy” é um bom prato.

Atores:

O elenco é maravilhoso com destaque para Gary Oldman, o qual me fez lembrar de Ryan Gosling, em “Drive” (2011), com uma atuação sutil e minimalista. O desempenho de Oldman está em seus olhos, quando ele faz  perguntas, reage às respostas de uma forma bastante interessante. Oldman simplesmente carrega o filme em seus ombros, oferecendo um desempenho lento, e preciso, e talvez por isso, assim como o Gosling não irão ao Oscar – até uma indicação parece algo distante para eles, mas espero que não seja impossivel!. . Outro ator que brilha nesse filme é Tom Hardy ( excelente ator!!!!) , o qual também está igualmente perfeito, no interessante filme “Warrior” (2011), fazendo um homem lutando por uma resolução para sua dor e assombrado pelas decisões que ele fez na vida. Celo Silva fez uma boa leitura sobre “Warrior” aqui: http://umanoem365filmes.blogspot.com/2011/12/359-guerreiro-warriorgavin-oconnor2011.html

Seria muito bom se os roteiristas e o director de “O Espião que Sabia Demais” tivessem injetado mais vida, em termos de entretenimento ao filme. Bem, o requinte dos cenarios, a fotografia de Hoyte Van Hoytema, que respira nos anos 70, com o céu cinza, e esfumaçado; o belo trabalho de edição, e uma trilha sonora muito boa de Alberto Iglesias, apenas enriquece o filme, mas faltou alma/ vida. Um belissimo filme, que custou apenas 21 milhões de dolares – o Polanski gastou 25 milhões no seu “Carnage” o qual é plasticamente inferior ao filme de Alfredson!. Longe de ser um filme ruim, mas ”O Espião que Sabia Demais” tem personagens demais, situações demais, e acabei me perdendo em torno da beleza plastica do filme.

Por essa beleza plastica e os atores, dou nota 7,5

Frio e isolado é a melhor maneira de descrever o romance gótico dirigido pelo talentosissimo Cary Fukunaga, que é baseado no clássico de Charlotte Brontë. Nunca li a obra de Brontë, e por tal me falta familiaridade com sua prosa, mas é muito fácil de reconhecer o quando a roteirista Moira Buffini pegou emprestado do livro. Fácil ficar impressionado com aqueles momentos em que as palavras não são necessárias para expressar o que os personagens estão sentindo, graças em parte pela atuações dos atores principais.

Creio que haja mais de 20 adaptações do livro de Bronte entre filmes, e series de TV. Independentemente disso, Jane Eyre é excelente – certamente, a melhor adaptação de um romance do século 19, deste “Orgulho e Preconceito” (2005) de Joe Wright. Outra coisa muito boa nessa nova adaptação é a parte visual do filme. Filmado em grande parte em luz natural pelo fotografo brasileiro Adriano Goldman, Jane Eyre ganha uma atmosfera densa. Os mouros são inundados com nevoeiros – coisa que poucos encontrarão em filmes de terror-, e  que provavelmente nem mesmo na narrative de Brontë.

Nos breves vislumbres de sua infância tumultuada, a Jane Eyre de Mia Wasikowska é timida, mas tem um equilíbrio perfeito de força.  Se torna governanta na Thornfield Hall, onde cuida de uma jovem francesa e, finalmente, se apaixona por seu patrão, Edward Rochester Fairfax (Michael Fassbender). Fassbender e Wasikowska estão maravilhosamente perfeitos – almas de seus personagens solitários e isolados, eles alimentam a linha da história inicialmente vista como desesperados.

O filme, no entanto, não está livre de falhas. Por exemplo, o uso de flashbacks – embora a história se junte muito bem, parecem de forma ocasionalmente abruptos. E, tambem a personagem vivida por Jamie Bell, é bastante vaga!.

Mesmo assim, esse é um filme que vale a pena ser visto!. Os figurinos são lindos, a suave e tocante trilha sonora escrita por Mario Marinelli é bem “emoldurada” pela espetacular fotografia de Goldman.

Nota: 8

Com relação a II Guerra Mundial destaca-se o filme “Hiroshima Mon Amor” (1959) um romance sobre a direção de Sacha Kamenka e Shirakawa Takeo que claramente descreve a fúria, a destruição de um povo e de sua memória história. O filme causou impacto e discussões em todo o mundo na década de 50 e hoje é uma referência na descrição de um período tão sangrento da história da humanidade.

Ambos as produções historicamente nos leva a uma viagem, a um período de dor, desapropriação e de confronto direto com a morte. Uma narrativa que descreve o contexto que perpassa a I e II Guerra Mundial. Trazendo-nos uma perspectiva sobre atitude das pessoas em meio à movimentação da guerra.

Uma representação fiel dos comportamentos dos soldados que se interligavam para combater o inimigo. Podemos notar a fiel representação das trincheiras e dos processos que desencadeia a guerra.

Nas ruas era notável um cinturão de homens e metralhadoras rodeando os caminhões e tanques estacionados na praça central. Os projéteis enquanto isso continuava caindo sem interrupção e anunciando o fim do bombardeio. Depois de alguns instantes de silêncio, uma bomba assolava e eliminava tudo ao seu alcance e o silêncio pairava profundamente. Os oficiais sobreviventes levantam novamente em nome da sua nação amada; renovando o pedido de rendição, dizendo ao mesmo tempo, que não podia ordenar que um homem corajoso fosse morto naquelas condições sem a menor possibilidade de salvar a sua vida.

Assim, fica visível a movimentação de conflito e de dor que devorava os corpos e alimenta a alma dos heróis guerreiros que bravamente lutavam e somente se rendiam em homenagem aos corajosos que morreram. Quanta dor sentiu Hiroshima e Nagasaki; uma dor tragicamente narrada de forma profundo no documentário.

Dentro do contexto podemos notar que vários foram os motivos que levaram a economia americana ao colapso, mas a “Guerra Mundial” gerou um colapso que desmoronou a economia, além do mais os EUA foi atingido por uma depressão, se tornando o epicentro dos acontecimentos.

A guerra Russa, no entanto foi um ensaio geral nos anos de 1904 e 1905 decorrentes da ambição imperialista tanto russa, quanta japonesa sobre a Coréia e a Manchúria.

Os resultados deste processo foram o domingo sangrento, onde ocorreu uma manifestação de trabalhadores que pedia a Czar a redução das jornadas de trabalhos e melhoria no salário, outros manifestos ocorridos foram de outubro, junho e o encouraçado de Petemkin.

A Rússia na guerra, não desenvolveu um ótimo papel sendo considerada o gigante de pés de barro, pois as táticas utilizadas na guerra eram antigas, o comando ineficiente, havia muitos soldados e poucas aparelhagens e o abastecimento precário, não propiciando resultados positivos.

Na aurora da análise notamos que ocorria um desequilíbrio interno na Rússia, construindo um descrédito de Czar e ocorrendo a implantação do socialismo, sendo possível ver o surgimento de uma nova política econômica que se fixa com o plano quinquenais de 1928, promovendo uma ruptura nos planejamentos econômicos em meio a um desenvolvimento lento e cheio de contrastes econômicos, sociais e políticos.

Todavia, podemos apontar com convicção que a crise de 1929 provocou grandes efeitos na economia, maior que a própria guerra. Não podemos esquecer que a crise econômica será marcada com o surgimento do totalitarismo de Hitler, da política intervencionalista de Roosevelt e da longa disputa entre os pólos distintos entre socialismo e capitalismo.

Em primeiro momento se pensava que o colapso econômico seria apenas um ciclo comercial típico da economia capitalista, no entanto é visível que o colapso provocou uma queda dos movimentos migratórios de forma globalização, afetando a economia e provocando o desemprego e a inflação.

Neste período o desemprego era visto como uma ferida profunda e potencialmente mortal ao corpo político.

Como historiador, digo que o documentário de forma clara narra um dos principais momentos da história da humanidade.

Na aurora da análise, percebemos o sentimento de nacionalidade que permanecia vivo em cada guerreiro e cidadão que colocava o seu “próprio peito a morte”, em nome da nação e dos ideais defendidos por ela.

Já no início, o filme me conquistou, e fui assim até o final. A estória coloca o casal Foxley (Peter O’Toole e Joan Plowright) tendo que conviver por um mês com uma banda de rock em seu castelo, e se passando por empregados. Por estarem à beira da ruína, o casal da folga aos empregados por não querer que ninguém saiba da real situação financeira em que se encontram. Numa de precisarem com urgência de uma grande soma em dinheiro, decidem alugar o castelo. Marinheiros de primeira viagem nessa empreitada, ao contratarem um mordomo e uma cozinheira, acabam caindo numa firma de picaretas; ficando sem os serviçais e sem a grana. Assim, sem tempo, como também sem o dinheiro da multa que pagariam caso cancelasse o aluguel do castelo, eles se vêem obrigados a se passarem por um casal de empregados, e em sua própria casa.

Mas as agruras vão além. Lord Foxley achava que tinha alugado para um grupo de executivos de uma multinacional. Dai pensa em desistir ao ver que seria um grupo de jovens, e integrantes de uma banda, que se hospedariam ali. E para desespero maior, eles vieram para ensaiarem para uma nova turnê. Mas Lady Foxley lembra da multa e diz que era hora de engolir o orgulho: cozinhando, limpando, arrumando, servindo…

E entre som alto, e o menor jeito com os afazeres domésticos, o casal e a turma jovem também tentam se afinarem. Nessa longa jornada também haverá uma misteriosa convidada aumentando o desconforto do Lord Foxley. Como também um espião a serviço da Gravadora. Ainda colocando um tempero a mais, Nat (Alicia Silverstone) que fora contratada como substituto do baixista que desaparecera, terá que provar que pode ficar em definitivo na banda Global Heresy.

Com uma trilha sonora bem legal, confusões, e onde alguns dos personagens reavaliam os próprios pensamentos, somos brindados com um bom filme. Eu me surpreendi. Assisti pela tv, numa de procurar algo para passar o tempo. E até voltaria a rever, se reprisarem.

Por: Valéria Miguez (LELLA).

Quebrando Todas as Regras (Global Heresy. 2002). Reino Unido, Canadá. Direção: Sidney J Furie.  +Elenco. Gênero: Comédia, Drama. Duração: 106 minutos.

Na trama Edmond Dantes (Jim Caviezel) ao tentar comunicar com a cidade proibida, entra em contato com Napoleão Bonaparte que lhe pede um favor. Este favor coloca em risco a sua liberdade. Por inveja o seu melhor amigo, Fernand Mondego (Guy Pearce), o entrega para as forças secretas do governo, sendo levado preso; dentro da prisão Edmond se deixará consumir pelo desejo de saborear a vingança.

Ao longo do tempo Edmond foi espancado e torturado; até que conheceu dentro da prisão um padre, Abbé (Richard Harris), um amigo que o ensinaria tudo, além de entregar em suas mãos o passaporte para a liberdade. Após uma fuga planejada e milagrosa, Edmond se transforma no misterioso Conde de Monte Cristo. Edmond “morre” na prisão e nasce Conde de Monte Cristo um homem astucioso, justo e vingativo.

O diretor, também da trama Robin Hood (1991), promove de forma precisa um enredo alimentado por vingança e sede de sangue. Como historiador, gostei da forma como o diretor conduziu a trama no contexto que envolve a Era Napoleônica.

O filme apresenta uma mensagem profunda e clara, afirmando que a inveja destrói uma amizade, uma história e a união entre seres. Afinal, a produção cinematográfica nos mostra que a injustiça pode eliminar o equilíbrio do homem, levando a morte do ser divino que existe em cada um de nós.

Dhiogo Caetano.

O Conde de Monte Cristo (The Count of Monte Cristo. 2002). Reino Unido, EUA. Direção: Kevin Reynolds. Roteiro: Jay Wolpert. +Elenco. Gênero: Aventura, Drama, Romance. Duração: 131 minutos. Baseado no livro homônimo de Alexandre Dumas.

A trama cinematográfica conta a história dos lendários irmãos Will e Jake Grimm (Matt Damon e Heath Ledger), uma deliciosa aventura pelos territórios napoleônicos, onde os fajutos caçadores de fantasma buscavam ganhar dinheiro através de trapaças.

Por um bom tempo os irmãos Grimm ganharam vitórias através de suas farsas; até o momento em que as autoridades francesas descobrem o esquema utilizado por eles; os obrigando a enfrentar uma bruxa de verdade que se hospedava em uma floresta encantada, local aonde inúmeras meninas do vilarejo próximo vêm desaparecendo de forma misteriosa.

A trama de forma analítica traz uma linguagem mística com uma pitada de efeitos especiais que transforma o filme em uma fantástica produção cinematográfica. Gostei muito do suspense que torna-se um elemento que propriamente dito fecunda a trama em um espaço que envolve o telespectador na busca do desfecho do mesmo.

Na aurora da análise podemos perceber que o filme ricamente nos proporciona um passeio por inúmeros conceitos, termos, símbolos e momentos históricos.

Como é de praxe, “O Exame” é mais um filme que vai para a coleção dos que considero instigantes e inteligentes, trazendo na bagagem  um suspense psicológico dirigido por Stuart Hazeldin que fez este belo e caprichado trabalho.

O título praticamente entrega o filme. Trata-se de uma prova eliminatória para um cargo de direção em uma misteriosa empresa, sendo oito candidatos, quatro do sexo masculino e quatro do feminino que já superaram todas as outras etapas da seleção para o emprego dos sonhos, faltando apenas esta última avaliação final e classificatória que fará sair dali um único vitorioso no tempo estipulado de oitenta minutos. A prova consiste em se encontrar a resposta para uma única pergunta que não é revelada; significa que deve-se, primeiramente, descobrir qual é essa pergunta para depois respondê-la na própria folha completamente em branco no prazo determinado. Confinados em uma sala sem nenhuma janela, com o número exato de mesas e cadeiras correspondentes a cada um dos concorrentes, como proceder para se descobrir a tal pergunta? Sinistro, não? É um mistério, um enigma exigindo o máximo de perspicácia, esforço mental e sagacidade, e durante esse tempo muita coisa acaba acontecendo.

O filme começa com a apresentação dos personagens ainda em suas residências, impecavelmente vestidos, acertando os últimos detalhes e o mais intrigante é que cada componente corresponde a uma determinada etnia: o asiático, o pardo, o negro, o branco, e provavelmente a miscigenação. Alguns detalhes clichês, são bem marcados, não passam despercebidos como, por exemplo, um dos candidatos lavando as mãos antes de sair e também colocando óculos, talvez como que dizendo: ‘Lavo as mãos e o que tiver que ser, será, devo enxergar que a vaga está garantida: é minha!”

E segue as apresentações: “- Você merece isso. Você merece! Já é seu!” Um deles acha que é sorte, na cara ou coroa da moeda; outro apela à religião: “- Posso fazer todas as coisas, todas as coisas!” E na ansiedade um deles diz: “- Vamos lá!”

Uma sala fechada. Um relógio imenso marcando a ansiedade e o bater do coração: 80 minutos!

Uma folha por carteira, escrito apenas: Candidato 1, 2, 3… 8. Os candidatos entram enfileirados e ocupam os respectivos lugares. Na sala apenas um guarda armado para tomar conta.

Em seguida entra alguém e diz:

“ – Eu sou o vigilante! Ouçam com atenção a cada palavra que eu disser. NÃO VOU REPETIR.

Não pedirei desculpas pelas dificuldades que já tiveram para chegar nesta sala porque a pressão e o sofrimento eram necessários. Perseverança é o atributo chave nesses tempos difíceis e se não conseguem sobreviver ao nosso processo de seleção, não sobreviverão no emprego.

Muitos candidatos altamente qualificados tentaram chegar até aqui e falharam. Vocês conseguiram. E agora a fase final está diante de vocês, um último obstáculo separando-os de seu objetivo que é juntar-se aos nossos respeitados postos. O teste é uma simples comparação, no entanto, determinará quem sai dessa sala com um contrato de trabalho ou quem sai em um ônibus para casa.

Através desse EXAME terão uma idéia do poder, dessa organização, então acreditem quando lhes digo que não há outra lei nessa sala, que não a nossa. E as únicas regras aqui, são as nossas. Há só uma pergunta e uma resposta é solicitada. Se tentarem se comunicar comigo ou com o guarda, serão desclassificados. Se estragarem seu papel intencional ou acidentalmente, serão desclassificados. Se escolherem sair desta sala por qualquer razão, serão desclassificados.

Alguma pergunta?

Boa sorte, senhoras e senhores. Estamos dando a cada um de vocês 80 minutos. 80 minutos para nos convencerem que têm o que é preciso para se juntar a nós. 80 minutos para determinar os próximos 80 anos de suas vidas. Comecem!

O agente se retira e fecha-se a porta.

Um dos candidatos logo é eliminado e dos que continuam, um deles descobre que podem conversar que não quebra a regra da avaliação, e como forma de se identificarem criam alcunhas atribuídas entre eles e contribuem com exercícios intelectuais, trocando ideias através das quais tentam extrair do papel a questão que poderá dar-lhes o tão sonhado emprego.

Pode fazer qualquer coisa, menos estragar a folha de prova. Então a folha em branco é usada de diversas maneiras e modos a fim de se achar a resposta.

Os candidatos começam a agir ajudando-se durante todo o processo, ora  tornando-se aliados, ora voltando-se uns contra os outros e até brigam entre si. Conseguem descobrir tantas coisas e chegam aos finalmentes, à questão que deverá ser respondida que é uma evidência tal que exigia apenas ser tratada como um enigma. Uma das questões levantadas por eles é que a empresa para a qual se candidatam, tem algo de médico-científico especulando sobre uma epidemia mundial e que na sala poderia ter um dos componentes infectado, e a sua cura contribuiria com essa empresa a qual estão prestando concurso.

Eu diria que se trata de um teste de resistência física, moral, intelectual e emocional. E agora te pergunto, até onde você iria para conseguir o emprego tão almejado? O que você seria capaz de fazer  para conseguir um emprego dos sonhos com um salário maravilhoso?

Inegavelmente é um filme brilhante. Faça a prova dos nove sem medo, e tente tirar uma ótima nota aqui. Se não passar neste exame tenho certeza que eliminado também não será.

Boa sorte!

Karenina Rostov

*
Título Original: Exam
Gênero: Suspense / Terror
Tempo de Duração: 101 min
Ano de Lançamento: 2009
Diretor: Stuart Hazeldine

Um casal muito feliz, um médico louco – ou nesse caso, um extraterrestre do planeta Transexual (?) – sua criação, seu mordomo, suas assistentes, chuva forte, noite escura, pneu furado e muito rock’n roll. Partindo daquela velha idéia de acidente no meio do nada e a única ajuda ser a dos habitantes de um castelo nada amigável, a inserção de guitarras pesadas passeando pelos estilos do Rock, indo do clássico ao contestador, levantam o astral do filme e em muitos momentos é impossível não dançar e cantar aquelas músicas grudentas.

E a graça do filme não fica restrita somente a isso. E notório o clima de nostalgia, exaltado com gosto as referencias a Frankenstein, Flash Gordon, King Kong, à lendária RKO e por aí vai. Tudo que influenciou esses gêneros do cinema tão bem misturados com comédia e romance. Os personagens de longe soam interessantes, mas exercem sua função muito bem.

Todos estereotipados e muito bem interpretados, desde Susan Sarandon em início de carreira – e muito bonita por sinal – ao transexual tarado interpretado por Tim Curry, e que rouba absolutamente todas as cenas do filme.

Seus estereótipos funcionando muito bem para não exatamente contar uma história, e sim, fazer acontecer um espetáculo. A extravagância dos figurinos e do texto – com ousadas piadas sobre sexo – dão a entender que não se trata de um mero musical, mas sim, de um filme onde vale tudo. Alguns poderão torcer o nariz sem dúvida, outros irão adorar e sacar que tudo aquilo é rock sem lei nem ordem e se divertir a beça com tudo aquilo, mas, analisando dentro do nosso mundo, sempre foi assim. O pobre do Rock, defendendo suas idéias e libertações sendo oprimido pelo hipócrita bom senso das pessoas.

O que temos aqui é um filme que pouco liga para a breguice e a tosquice, que pouco liga para o que vão achar de sugestivas e até certo ponto polêmicas cenas de sexo e que quer mais saber de agitar tudo. É tudo um espetáculo, a começar pelo já lendário Dr. Frank (Curry, numa caracterização que lembra Freddie Mercury), que abusa de seu glamour e cria um ser másculo e homem o bastante para lhe satisfazer sexualmente. Encarando por um lado é grotesco realmente, mas entrando na proposta sincera e honesta de diversão do filme, é uma expressão de liberdade intelectual gritante.

É a força do Rock a favor de todos. Um filme sem preconceitos e que mesmo sendo limitado, é de uma riqueza impagável, seja na malícia de suas músicas, seja na bela homenagem ao cinema que um dia falou de tudo isso sem ninguém perceber que falavam daquilo, e que mesmo tanto tempo passado de seu lançamento, continua pomposo, sexy e contagiante.

E não envelheceu nada, tanto que sempre é revistado e ainda se tornou um marco na cultura pop – veja por exemplo as músicas, que continuam geniais e inspiradoras ou a séria Glee, que em sua segunda temporada fez uma homenagem mais recatada do filme.

É em poucas palavras, um filme delicioso, que sem sombra de dúvida, levanta o astral e diverte sem nenhum trauma, a todos. Um dos filmes mais legais já feitos.

Por: Rafael Lopes.

Nota: 8,5
Cotação: *****.

The Rocky Horror Picture Show
Inglaterra (1975)
Direção: Jim Sharman.
Atores: Tim Curry, Susan Sarandon, Barry Bostwick, Richard O’Brien.
Duração: 100 minutos.

Em “Corações Perdidos” me deixei pensar no porque de um homem estando casado, e ainda amando sua esposa, tem uma amante cativa. Uma relação sem cobranças. Mantida há 4 anos. Onde tendo um único dia da semana para se encontarem e transarem. Algo também estagnado. Sem paixão. Sem tesão pela vida, por estar vivo.

Assim conhecemos um pouco do casal Rileys: Doug Riley (James Gandolfini) e Lois (Melissa Leo). Que após a perda da única filha pareciam não ter mais um sentido na vida. Ambos, sentíam-se culpados. Lois por ter se intrometido demais na vida da filha. Doug, pelo contrário, por ter ficado ausente demais.

Se uma morte os fez ficarem assim, apenas sobrevivendo, uma outra leva Doug a acordar. Mas ainda sem saber que novo rumo vai dar a sua vida, aproveita uma viagem de trabalho para pelo menos ficar longe da esposa. Vai a uma Convenção Anual em Nova Orleans. E ali, em meio a rostos conhecidos, vendo todos fazendo tudo igual, Doug foge também dali.

Nessa fuga, até de si mesmo, Doug conhece uma jovem stripper. Ela é Mallory (Kristen Stewart). Alguém a quem o destino também lhe tirou algo caro: sua mãe. Que a levou enfrentar às ruas bem cedo. Que para sobreviver, colocou uma couraça em seu coração. Ainda não sabendo ao certo o que estava fazendo, Doug resolve cuidar de Mallory. Tentar dar a ela uma outra expectativa de vida. Mas Mallory não está acostumada com gentilezas. Nem muito menos em ter um homem querendo apenas ser um pai. Que não queira transar com ela. Ele comunica a mulher que vai ficar em Nova Orleans.

Vendo que estaria perdendo de vez o marido, Lois tenta vencer o pânico de sair de casa, e viaja até lá dirigindo um carro. Ela também estará acordando para a vida nesse longo trajeto. E será o contraponto na relação entre Doug e Mallory.

Entre fazer uma longa análise com esses três corações perdidos, o que levaria a spoillers, eu preferi traçar apenas um breve perfil e de como o destino levou suas vidas se cruzarem, e ter algum sentido. E motivá-los a assistirem. Pois o filme é ótimo! Com atuações brilhantes!

Por: Valéria Miguez (LELLA).

Corações Perdidos (Welcome to the Rileys. 2011). Reino Unido / EUA. Direção: Jake Scott. Gênero: Drama. Duração: 110 Minutos.